terkat: (Девушка и кошка)
"Из века в век, из поколения в поколение переходит наша любовь к Чайковскому, к его прекрасной музыке, и в этом ее бессмертие." /Дмитрий Шостакович/

«Я желал бы всеми силами души, чтобы музыка моя распространилась, чтобы увеличивалось число людей, любящих ее, находящих в ней утешение и подпору». В этих словах Петра Ильича Чайковского точно определена задача его искусства, которую он видел в служении музыке и людям, в том, чтобы «правдиво, искренне и просто» говорить с ними о самом главном, серьезном и волнующем их. Разрешение такой задачи было возможно при освоении богатейшего опыта русской и мировой музыкальной культуры, при овладении высшим профессиональным композиторским мастерством. Постоянное напряжение творческих сил, повседневный и вдохновенный труд над созданием многочисленных музыкальных произведений составили содержание и смысл всей жизни великого художника.




Tracklist:
1. Piano Concerto No. 1 in B-Flat Minor Op. 23 - Allegro non troppo
2. Eugene Onegin Act III -- Polonaise ( 8:56 )
3. Symphony No. 6 in B Minor Pathetique - 1 mov. ( 14:00 )
4. Violin Concert in D Major Op. 35 - Andante ( 33:15 )
5. Slavonich March, in B-Flat Minor, Op. 31 ( 40:06 )
6. 1812 - Overture ( 50:50 )
7. The Nutcracker, Op. 71 -- Overture ( 1:06:46 )
8. The Nutcracker Op. 71 - Sugar Plum Fairies ( 1:10:13 )
9. The Nutcracker Op. 71 - Waltz of the Flowers ( 1:12:04 )
10. The Sleeping Beauty Op. 66 -- Overture ( 1:18:43 )
11. Swan Lake - Dances of the Swans ( 1:21:31 )
12. Swan Lake - Valse in A Major ( 1:30:17 )
13. Swan Lake - Scene from Act 2 ( 1:37:51 )


Аэропортовские новогодние ёлки.
Ни одна ёлка в процессе не пострадала: все настоящие, растущие!:)
terkat: (Девушка-ветки)
Творчество Исаака Дунаевского (полное имя после рождения Исаак Беру Иосиф Бецалев Цалиевич) по праву считается музыкальной «визитной карточкой» социалистического периода истории СССР. Дунаевский был автором более 80 шлягеров песенного жанра и мастером оптимистической, радостной музыки.

Исаак Дунаевский родился 30 января 1900 года в городе Лохвице Полтавской губернии в семье банковского служащего Цали Симоновича Дунаевского. Семья, в которой он рос, была очень музыкальной, мать Исаака играла на рояле и скрипке, хорошо пела. Большое влияние на будущего композитора оказал дядя, чудаковатый гитарист, время от времени приезжавший в гости к Дунаевским с гитарными концертами для всей семьи. Начальное музыкальное образование мальчик получил там же в Лохвице, занимаясь у скрипача Г.Полянского.
В 1910 году Дунаевский поступил в Харьковское музыкальное училище, где обучался у И.Ахрона по классу скрипки и у Семена Богатырева — композиции. К тому периоду относятся и первые сочинения Дунаевского. Одновременно он учился в гимназии. Когда Исааку исполнилось 10 лет, он вместе с братом Борисом переехал в Харьков. Там Исаак поступил в классическую гимназию и одновременно в музыкальное училище. Уже в те годы он пробовал сочинять музыку, но из-под его пера в то время выходили лишь печальные произведения — «Одиночество», «Тоска» и «Слезы».
Окончив гимназию с золотой медалью, Дунаевский поступил на юридический факультет Харьковского университета. В то время многие юноши из еврейских семей и стремились стать юристами, чтобы получить право пересекать черту оседлости. Одновременно Исаак продолжал заниматься и в музыкальном училище по классу скрипки, которое окончил в 1919 году. В 20-летнем возрасте он порвал с юриспруденцией, и поступил в оркестр Харьковского русского драматического театра, в котором поначалу был скрипачом, а затем концертмейстером. Позже он стал дирижером этого оркестра и заведующим музыкальной частью театра. И хотя он никогда прежде систематически не занимался, Дунаевский постепенно стал превосходным пианистом. Но о карьере композитора он по-прежнему не задумывался.
Первое выступление Дунаевского как театрального композитора состоялось в 1920 году. Он написал музыку к спектаклю «Женитьба Фигаро», а в качестве дирижёра он выступил в 1921 году, поставив совместно с Н.Синельниковым «Периколу» Жака Оффенбаха. В Харьковском драматическом театре Дунаевский проработал до 1924 года, и переехал в Москву, где два года руководил музыкальной частью Вольного театра и театра «Эрмитаж», а в 1926 году он возглавил музыкальную часть театра Сатиры, где работал над музыкальным оформлением многих спектаклей. Коллеги, работавшие с ним, вспоминали, что если композитору случалось слышать в свой адрес упреки, что он якобы срывал сроки, в нем рождался «яростный дух сочинительства».
Первая оперетта, музыку к которой написал Дунаевский, называлась «Женихи». Она была поставлена в декабре 1927 года в Москве. Затем из-под пера Дунаевского вышло еще пять оперетт - «И нашим, и вашим» в 1924 году, «Соломенная шляпка» в 1927 году, «Ножи» в 1928 году, «Полярные страсти» в 1929 году, «Миллион терзаний» в 1932 году. Кроме того, на провинциальной сцене шла его оперетта «Карьера премьера», написанная в 1929 году, что позволяло говорить о нем, как о плодовитом и стабильном композиторе.
В 1929 году Дунаевский переехал в Ленинград и начал работать дирижером в Мюзик-холле — в том самом, который позже прославился постановками Утесова. У Дунаевского с Утесовым возник творческий союз, и они вместе создали в 1932 году музыкально-эстрадное представление «Музыкальный магазин», ставшее настоящим шлягером жанра. К моменту создания «Музыкального магазина» Дунаевский искусно владел всеми приемами джазовой оркестровки. Его особенностью было то, что он намеренно избегал «грязных», «скрежещущих» аккордов и делал акцент на четких ритмах и старался вызвать музыкой хорошее настроение. Композитор уже тогда понял, что в любом сценическом жанре характер и стиль музыки определяются идеей произведения, для которого музыка создается. Создание музыки, помогающей действию и даже развивающей его, стало законом в творчестве Дунаевского. Этого принципа он придерживался и в театре «Эрмитаж», и в Московском театре сатиры, и в Московском театре оперетты.
Оперетта «Женихи» стала не просто «первой ласточкой», возвестившей о приходе весны в еще не освоенный советским театром жанр. По сути, произошло рождение советской оперетты, музыку которой Дунаевский видел через призму главной ее арии — песни. Не случайно, когда в 1927 году московский журнал «Рабис» попросил Дунаевского и некоторых режиссеров и артистов театра оперетты принять участие в дискуссионной анкете «Опереточный тупик. Как выйти из него», композитор высказался категорически - советская оперетта должна нести слушателям песни, «параллельно с созданием оперетты должна идти борьба за новую советскую песню!».
Однажды в 1932 году в Мюзик-холл к Дунаевскому пришел представитель кинофабрики «Советская Беларусь», и композитору предложили принять участие в создании звукового фильма «Первый взвод». Предложение кинофабрики живо заинтересовало Дунаевского, он его принял, и началась работа Исаака Дунаевского в кино. Впоследствии он написал музыку к 28 фильмам. Благодаря счастливому союзу с кинематографом музыка Дунаевского быстро завоевала большую популярность.
Ко времени приезда в Ленинград музыкальный багаж композитора был уже достаточно солидным. Дунаевским была написана музыка к 62 драматическим спектаклям («Взятие Бастилии» Р.Роллана, «Орленок» и «Романтики» Э.Ростана, «Женитьба Фигаро» П.Бомарше, «Слуга двух господ» и другим постановкам), к 23 эстрадным обозрениям, 6 водевилям, 2 балетам, музыка 8 оперетт («Женщины в аду», «Пассажир с Океаника»», «И нашим и вашим», «Соломенная шляпка» и другие произведения). Композитор много работал в области камерного творчества. Им было создано свыше 90 различных произведений — пьесы для фортепиано, квартеты, романсы.
В августе 1932 года создатель советских музыкальных кинокомедий Григорий Александров возвратился в Москву после работы в Европе, Америке и Мексике. Его не оставляла мысль о создании комедийного музыкального фильма, и Александрову порекомендовали обратиться к Дунаевскому. Их встреча состоялась на квартире Утесова. Тема разговора была одна — о музыкальной кинокомедии, о будущем фильме. Дунаевский подошел к роялю, и сказал: «Об этой работе, музыка которой, как мне кажется, уже приближается к нам, мне хочется сказать...». И в раздумье опустил руки на клавиши. Когда растаял последний звук его импровизации, Дунаевский повернулся к Александрову и Утесову и спросил: «Похоже немножко?» Пораженный Александров молча смотрел на композитора. Сейчас, в какое-то короткое мгновение, сквозь музыкальные картины, набросанные Дунаевским, он вдруг увидел кадры еще не созданного фильма. А музыка уже зримо вычертила контуры будущей работы, словно с улыбкой прошли у рояля герои фильма, сказав: «До скорой встречи!». Позже и Александров и Дунаевский, каждый по-своему вспоминали тот вечер, послуживший началом их долгого совместного творческого пути.
Для фильма Александрова Дунаевский написал около двадцати различных музыкальных номеров - песню Анюты, песню Кости, галоп, скрипичный урок, нашествие стада на виллу, танго, вальс, сцену «музыкальной драки», частушки, мультипликационные заставки и многое другое. Утесов вспоминал, что он никогда не упускал возможности послушать игру Дунаевского: «Музыку Дунаевского любят все, но тот, кто не сидел с ним у рояля, не может себе полностью представить всю степень дарования этого поистине замечательного музыканта».
Прежде, чем выйти на широкий экран, фильм в числе других работ известных советских киномастеров был представлен в Венецию на международной кинематографической выставке. Блистательным завершением выставки было присуждение произведениям советским кинематографистам первого приза — Золотого кубка, который был торжественно вручен делегации советских кинематографистов. Особенно популярной в Венеции стала музыка фильма. «Марш веселых ребят», переведенный на итальянский язык, распевался повсюду. Маленькие оркестрики и неаполитанские ансамбли с увлечением играли в своем музыкальном изложении и «Марш веселых ребят», и написанную в ритме танго, близком неаполитанским мелодиям, песню Кости.
В то время Дунаевского уже ожидало множество дел, в том числе снимающаяся на киностудии «Ленфильм» картина «Три товарища». Еще в самом начале 1934 года к Дунаевскому обратился режиссер С.А.Тимошенко с просьбой написать музыку к этой картине. В отличие от предыдущих работ Дунаевского, в фильме «Три товарища» музыка лишь сопровождала действие, и только «Песня о Каховке» на стихи Михаила Светлова обрела самостоятельную жизнь. Исаак Осипович вспоминал: «Музыку к песне «Каховка» мне удалось записать буквально за несколько минут. Помню, как я подошел к роялю. Тут же сидел автор стихов Светлов. Не отходя от рояля, я полностью сыграл песню от начала до конца».
В 1935 году Дунаевский получил приглашение от «Мосфильма» принять участие в создании приключенческого фильма «Дети капитана Гранта». Участники фильма «Дети капитана Гранта» не переставали удивляться титанической работоспособности Дунаевского, который приходил к ним в павильон после напряженной работы здесь же, на «Мосфильме», с Александровым и сразу активно включался в работу над другим фильмом, с ходу разрабатывая вдруг родившуюся мелодию, изображая чуть ли не весь оркестр. Ему всегда хотелось, чтобы музыка была «настоящей», а песня — искренней и заразительной. «Когда я вспоминаю музыку к фильму «Дети капитана Гранта», — писал Шостакович, — я не могу не испытывать сожаления по поводу того, что блестящая увертюра к картине, открывшая новую сторону таланта композитора, не повлекла за собой продолжения работы в этом плане. Эта увертюра — симфоническое произведение большого накала и темперамента».
Более двадцати музыкальных произведений было создано Дунаевским к фильму «Цирк», снятому в том же 1936 году. Главной в фильме стала «Песня о Родине». Ее пели строители Магнитки и Комсомольска-на-Амуре, белорусские колхозники и металлурги Кузбасса. Этой песней, передававшейся по радио с января 1938 года каждое утро без 5 минут 6, начинался новый трудовой день СССР. «Песня о Родине» сражалась с фашизмом, она была паролем югославских партизан, ее пели в освобожденных городах Чехословакии, Венгрии, Польши, Болгарии. Музыка Дунаевского не только помогала отыскивать внутренний стиль и внутреннюю сущность будущего кинопроизведения, но и вела к разработке характеров будущих героев. Пожалуй, самым необычным примером активного воздействия музыки Дунаевского на литературное творчество является тот факт, что не роман Льва Кассиля «Вратарь республики» стал основой сценария, а сценарий фильма и музыка к нему повлекли за собой рождение книги.
В 1938 году Дунаевский занялся созданием музыки к фильму «Волга-Волга». Она была для Дунаевского настолько же интересной и увлекательной, насколько ответственной и сложной. Дунаевский стал не просто композитором, написавшим музыку к фильму, а одним из авторов кинокомедии. «Можно смело сказать, что без этой музыки не было бы фильма!» — утверждала газета «Кино». «Но, — заметил Исаак Осипович, прочитав этот лестный отзыв, — без этого фильма не было бы и музыки!»
«Волга-Волга», пожалуй, как ни один фильм Дунаевского, была пронизана песнями, симфоническими картинами, куплетами, музыкальными эпизодами и танцевальными ритмами.
4 ноября 1937 года Ленинградский театр музыкальной комедии показал премьеру оперетты Дунаевского «Золотая долина». Появление «Золотой долины» на сцене ознаменовало собой не только рождение, но и утверждение советской оперетты как формы музыкального жанра.
В 1940 году Александров снимал фильм «Светлый путь». Музыку для этого фильма писал Дунаевский. Музыка основной темы марша окончательно определилась, но припев к маршу долго не сочинялся. «Помнится, композитору сначала никак не удавался припев к «Маршу энтузиастов», — вспоминал Соловьев-Седой. — Был момент, когда он отчаялся его сочинить и предлагал товарищам по жанру, в том числе и автору этих строк, в порядке соавторства дописать припев к «Маршу». Но, в конце концов, конечно, нашел его сам!» Помог в этом композитору завод «Электросила». В один из своих приездов к рабочим Дунаевский выступил с концертом во время обеденного перерыва в крупнейшем турбогенераторном цехе. Вслушиваясь в ритмичный гул станков, композитор вдруг «услышал» четкий ритм музыки будущего припева. Возвращаясь после концерта, Исаак Осипович увидел на заводском дворе группу рабочих, бодро и дружно шедших заступать в рабочую смену. Ритм их шагов что-то подсказал Дунаевскому. «Друзья мои! — воскликнул композитор, обращаясь к провожавшим его рабкорам заводской газеты. — Так ведь это же и есть «Марш энтузиастов»! Сережа (это уже к шоферу), гони к роялю!»
За шесть лет Дунаевский написал музыку к шестнадцати кинофильмам. Песни Дунаевского быстро становились популярными. Этому немало способствовал комический талант композитора. Всем известны «Песня о Родине», «Песня о Каховке», «Песня о веселом ветре», «Песенка об отважном капитане», «Эх, хорошо в стране советской жить», «Если Волга разольется», «Марш энтузиастов», «Дорогой широкой», «Спортивный марш». Но при кажущейся легкости эти песни создавались не так просто. Дунаевский необычайно требовательно относился к текстам. В каждом кинофильме, где звучала его музыка, есть центральная песня, выражающая идею фильма. Например, в картине «Три товарища» — это знаменитая «Песня о Каховке», в картине «Цирк» — «Песня о Родине», в картине «Волга-Волга» Дунаевский блестяще использовал прием «музыкального парада», когда молодые музыканты целым каскадом веселых, задорных мелодий воздействуют на закоренелого бюрократа, душителя новых веяний. Можно сказать, что до Дунаевского ни в советском, ни в зарубежном кино не было такого автора, которому удалось бы подняться до высот композитора-режиссера.
В 1930-е годы Дунаевский пережил подлинный расцвет творчества. Начиная с 1937 года он руководил ансамблем песни и пляски Ленинградского дворца пионеров. Наряду с плотным графиком музыкальной работы Дунаевский находил время и для общественной деятельности - он возглавлял Правление Ленинградского отделения Союза советских композиторов, в 1938 году был избран депутатом Верховного Совета РСФСР. В июне 1936 года Дунаевскому присвоили звание заслуженного деятеля искусств РСФСР, в декабре 1936 года наградили орденом Трудового Красного Знамени, позже — орденами Красной Звезды и «Знак Почета». За музыку к кинофильмам «Цирк» и «Волга-Волга» в 1941 году Дунаевскому присудили Сталинскую премию.
Композитору платили огромные гонорары, которые позволяли ему покупать машины, играть на скачках (впрочем, скачки он вскоре бросил). Он любил друзей и женщин, делал дорогие подарки, давал взаймы и никогда не напоминал о долгах.
Сталин, которому по-настоящему нравилась музыка Дунаевского (особенно мелодии из «лауреатского» фильма «Волга-Волга»), недолюбливал самого композитора. Как считает его биограф Н. Шафер, «отца всех народов» раздражала популярность Дунаевского, и он затаил обиду на композитора, чья маловыразительная «Песня о Сталине» («От края до края, по горным вершинам») носила вымученный характер и не могла сравниться с «Песней о Родине». Более того, среди музыкантов бытовала история о том, что вождь, впервые прослушав «Песню о Сталине», сказал: «Товарищ Дунаевский приложил весь свой замечательный талант, чтобы эту песню о товарище Сталине никто не пел».
В годы Великой Отечественной войны, работая художественным руководителем Ансамбля песни и пляски железнодорожников, композитор создал более семидесяти музыкальных произведений на военную тему.
В первые послевоенные годы Дунаевский написал музыку оперетты «Вольный ветер», посвятив ее борьбе народов за мир. Все музыкальное богатство своей оперетты Дунаевский сосредоточил в «Песне о вольном ветре».
А в 1947 году он написал прекрасный «Весенний марш» для кинокомедии «Весна». В 1949 году он написал песни к фильму «Кубанские казаки», среди них тут же ставшие популярными «Ой, цветет калина» и «Каким ты был».
Лирическим гимном мира стала его песня «Летите, голуби!», впервые прозвучавшая в 1950 году в документально-художественном фильме «Мы за мир!». «Отсчет этой музыки, - говорил Дунаевский, — идет от войны».
Кроме песенной музыки, композитор работал и в других жанрах. Среди них была танцевальная музыка, что, например, нашло отражение в фильме «Кубанские казаки»: он полон вальсов, полек и галопов. Сам Дунаевский считал, что легких жанров не бывает и даже самый, казалось бы, легкий жанр требует от композитора виртуозного владения всеми секретами музыкального мастерства и оркестровки.
Дунаевский - один из самых известных советских авторов оперетты. Работая в этом жанре, он, отталкиваясь от традиций Ж. Оффенбаха, И. Кальмана, Ф. Легара, включал черты оперного стиля (симфонические эпизоды), но использовал также приемы джаза и интонации массовой песни. Среди 12 оперетт Дунаевского лучшие — «Золотая долина» (1938), «Вольный ветер» (1947), «Белая акация» (1955). Кроме своих основных жанров — оперетты и киномузыки - Дунаевский написал также четыре балета, много инструментальной музыки для эстрадного и джазового оркестра, а также каденцию к концерту для скрипки с оркестром Бетховена (для фильма «Концерт Бетховена», 1937), записанную М. Полякиным. В своей музыке Дунаевский иногда обращался к фольклору, в том числе еврейскому, — в кинофильме «Искатели счастья» (1936). Блистательный образец обработки одной мелодии в нескольких фольклорных стилях (украинском, грузинском, таджикском, еврейском) — колыбельная из кинофильма «Цирк».
Всего Дунаевский написал музыку к 28 фильмам, более 80 песен, многие из которых стали поистине народными, музыку к спектаклям, балет и другие музыкальные произведения.
Исаак Осипович Дунаевский скончался от сердечного приступа 25 июля 1955 года во время работы над клавиром оперетты «Белая акация». Сердце композитора не выдержало напряженной работы.
О жизни композитора Исаака Дунаевского был снят документальный фильм, в котором о творческом пути композитора рассказал артист Московского театра оперетты Григорий Ярон. В фильме были использованы отрывки из спектаклей Московского театра оперетты, Московского театра имени К.С.Станиславского и В.И.Немировича-Данченко, Большого театра. Так же в фильме зрители смогут увидеть сцены и арии из оперет композитора «Женихи», «Золотая долина», «Вольный ветер», «Белая акация», «Дороги к счастью», фантазия из оперетты «Соломенная шляпка», фрагменты из кинофильмов «Цирк», «Веселые ребята», «Дети капитана Гранта», «Богатая невеста», «Волга-Волга», «Белая акция», «Крылатая защита» и «Испытание верности».

Источник: Дунаевский Исаак Осипович



Послушать. Вспомнить...

Увертюра к фильму "ДЕТИ КАПИТАНА ГРАНТА"


Сердце, тебе не хочется покоя.


Каким ты был


Песенка о капитане (Жил отважный капитан)


terkat: (Девушка-ветки)
Календарь. Памятные даты.
16 декабря 1932 года в Москве родился Родион Константинович Щедрин - российский композитор, пианист, педагог.
И муж Майи Плисецкой:)


Отрывок из балета «Чайка» / Майя Плисецкая и Александр Богатырёв/



Родион Щедрин. Концерт №5 для фортепиано с оркестром.
Дирижер В. Федосеев.
Солист Д. Мацуев.
Исполняет Большой симфонический оркестр им. П.И. Чайковского.



БИОГРАФИЯ
Родион Константинович Щедрин родился в семье профессиональных музыкантов. В 1941 году он был принят в Центральную музыкальную школу. Но в связи с началом Великой Отечественной войны семья была эвакуирована в Куйбышев. В 1944 году в Москве открылось хоровое училище, где отец Щедрина по возвращению семьи в город начал преподавать. Туда же в качестве воспитанника был зачислен и Родион. В 1947 году на конкурсе композиторских работ среди учеников жюри, возглавляемое А.Хачатуряном, присудило Щедрину первую премию, а уже на четвертом курсе он был принят в Союз композиторов. После окончания училища в 1950 году он поступил в Московскую консерваторию, а затем продолжил обучение в аспирантуре до 1959 года. Щедрин очень рано завоевал известность и популярность. К началу 1960-х годов он уже имел в своем творческом активе балет «Конек-Горбунок», оперу «Не только любовь», фортепианные сочинения, хоры, Первую симфонию, а также ряд произведений, музыкальную основу которых составил фольклорный материал — русские частушки, в том числе концерт «Озорные частушки». В последующие годы Щедрин создал Вторую симфонию, ораторию «Ленин в сердце народном», Второй фортепианный концерт, который стал классикой, изучаемой в истории музыки, и самое исполняемое свое сочинение — балет «Кармен-сюита». Параллельно с написанием произведений он выступал как пианист, а также преподавал в Московской консерватории (1964–1969). Творчество Родиона Константиновича 1970-80-х годов было отмечено присущей ему постоянной художественной изобретательностью. В этот период он написал известные балеты «Анна Каренина», «Чайка», «Дама с собачкой», оперу «Мертвые души», создал ряд прекрасных хоровых и фортепьянных сочинений — «Строфы "Евгения Онегина"», «Казнь Пугачева» и другие, и такие грандиозные произведения, как «Музыкальное приношение», «Эхо-соната», «Стихира на тысячелетие крещения Руси», «Запечатленный ангел»… С конца 1980-х годов Щедрин стал получать все больше творческих предложений из-за границы, отвечая на них созданием сочинений на любимую русскую тематику. В Японии был поставлен его мюзикл «Нина и 12 месяцев» (1988) и исполнены «Хороводы» (1989), к 100-летию Чикагского симфонического оркестра написана «Старинная музыка российских провинциальных цирков» (1989), сочинены камерные пьесы для Финляндии и Парижа. В 1991 году композитор переехал жить в Германию, но сохранил российское гражданство. Укрепляя связи с западными издательствами и исполнителями, он продолжал много сочинять. В 1990-е годы им были написаны — опера «Лолита», несколько значительных концертов, посвященных М.Ростроповичу, М.Венгерову, Ю.Башмету, О.Мустонену и другие произведения. В новом тысячелетии состоялись мировые премьеры его новых работ, в числе которых — Третья симфония, «Диалоги с Шостаковичем», оперы «Очарованный странник», «Боярыня Морозова», «Старинные мелодии русских народных песен» и другие. За свою творческую жизнь Щедрин написал огромное количество музыкальных произведений в самых разных жанрах. Он автор оперной, балетной, симфонической музыки, хоровых, камерных, фортепианных сочинений, а также музыки к фильмам. Причем в своих сочинениях композитор нередко обращался к творчеству русских классиков — А.Чехова, А.Пушкина, Л.Толстого, Н.Гоголя и других, а также к различным жанрам русского фольклора. Он не раз выступал как автор либретто ко многим своим сочинениям. Также Родион Константинович известен и как активный общественный деятель. В 1973-1990 годах он возглавлял Союз композиторов России, участвовал в реабилитации на родине высланных из страны М.Ростроповича и Г.Вишневской, в 1989 году избирался в Верховный совет СССР, где входил в Межрегиональную группу народных депутатов «За перестройку». Он участник жюри многих международных конкурсов композиторов и пианистов, автор десятков статей и книги «Монологи разных лет». Щедрин — Народный артист СССР, лауреат Ленинской премии, Государственных премий СССР и России, премии им.Шостаковича, премии Crystal Award Всемирного экономического форума (Давос), премии Грэмми, кавалер ордена «За заслуги перед Отечеством» III и II степени. Он Член-корреспондент Баварской академии изящных искусств, Почетный член Общества Ф.Листа (США), Международного музыкального совета при ЮНЕСКО, Почетный профессор Московской и Петербургской консерваторий… Супруга Щедрина — известная балерина Майя Плисецкая. Главные партии в ряде своих балетов он написал именно для нее. Признанный классик отечественной и мировой музыки композитор Родион Константинович Щедрин и сегодня полон энергии и творческих планов. Он много работает и живет в трех государствах — в Германии, Литве и России. У них с Плисецкой квартиры в Москве, Мюнхене и свой дом в Литве, который они очень любят.
Источник: © Calend.ru

Родион Щедрин "Озорные частушки"
terkat: (Девушка-ветки)
Александр Сергеевич Грибоедов - уникальная фигура в русской культуре.

Он вошел в историю, прежде всего, конечно, как автор бессмертной комедии «Горе от ума». Уникальность же его в том, что он сочетал в себе талант литератора с талантом музыканта. Исключительность его положения еще и в том, что, будучи автором всего двух дошедших до нас музыкальных произведений, стал благодаря им очень популярным композитором. Есть нечто общее между этими двумя фортепианными миниатюрами и сентенциями в его комедии: как реплики его знаменитых персонажей разлетелись по миру, став «крылатыми» выражениями, так и эти два вальса, своего рода «листки из альбома», превратились в популярнейшие произведения, широко бытующие в кругах любителей музыки, порой даже вне связи с самим А. Грибоедовым.

С детских лет Сашу с сестрой обучали игре на фортепьяно, и к 13 годам он "сделался превосходным фортепьянистом". "Очень хороший музыкант" – так о нем отозвался скупой на похвалы Михаил Глинка. Всю жизнь музыка была для Грибоедова убежищем, где он находил утешение. Любил играть Моцарта, Бетховена, Гайдна. Часто импровизировал, но не считал это достойным записывать.

Вальсы Грибоедова
Сохранились два вальса Грибоедова: Вальс ля-бемоль мажор (E-moll) и Вальс ми минор (As-dur). Первый был написан зимой 1823/24 гг. в доме Бегичева.
О нем рассказала Е.П. Соковнина, племянница С.Н. Бегичева: "В эту зиму Грибоедов продолжал отделывать свою комедию "Горе от ума" и, чтобы вернее схватить все оттенки московского общества, ездил на балы и обеды, до которых никогда не был охотник, а затем уединялся по целым дням в своем кабинете. У меня сохранился сочиненный и написанный самим Грибоедовым вальс, который он передал мне в руки". Возможно, второй грибоедовский вальс был написан тогда же.
По мнению критиков вальсы "изобличают несомненное музыкальное дарование, но еще не созревшее и не получившее надлежащей обработки и отделки в серьезной школе". С этим не спорят. Просто уже почти 200 лет не одно поколение слушателей с удивлением и восторгом открывает для себя "наивные" вальсы Грибоедова.
Найдено здесь: Музыка Грибоедова



Два вальса
terkat: (Девушка-ветки)
Юрий Гуляев — советский оперный и эстрадный певец (баритон), композитор. Народный артист СССР (1968).
...Его голос "по слуху" узнавала вся страна: даже там, где не было ни филармонии, ни оперы, ни телевидения, а только радиоприемник, - даже там сразу определяли: "поет Юрий Гуляев". Да, это был Божий дар - тембр его голоса. Неизъяснимо обаятельный, словно обволакивающий добротой, вселяющий мужество и доверие, согревающий надеждой. Словом, несущий спасительную и возвышенную романтическую красоту...

Старые слова


Желаю Вам



Юрий Гуляев в программе АБСОЛЮТНЫЙ СЛУХ


Юрий Гуляев родился 9 сентября 1930 года, в Тюмени. Огромное влияние на Юрия оказала его мама, Вера Федоровна. Она знала и любила музыку, сама хорошо пела. Юрий с детства заучивал песни и романсы, которые звучали на пластинках, с которых звучали голоса Ляли Черной, Вари Паниной, Тамары Церетели, и Сергея Яковлевича Лемешева, которого он боготворил с детства.
После десятилетки Гуляев поступил в Свердловский медицинский институт. Там он принимал активное участие в художественной самодеятельности и ему посоветовали учиться пению профессионально. В 1954 году окончил Уральскую консерваторию по классу пения Ф. И. Образцовской. В разное время пел в Свердловском, Донецком и Киевском оперных театрах. С 1975 года — солист Большого театра. В своих сольных концертах исполнял как арии из опер, так и романсы, народные песни.
Наиболее удачные партии — Жермон, Онегин, Валентин («Фауст»), граф Ди Луна («Трубадур»), Фигаро («Севильский цирюльник»).
Наибольшую известность получил как эстрадный певец. Визитная карточка певца — песни «Знаете, каким он парнем был?», «Твоя нежность», «Созвездие Гагарина» Александры Пахмутовой и Николая Добронравова, «Русское поле» Яна Френкеля и Инны Гофф, «На безымянной высоте» Вениамина Баснера и Михаила Матусовского, «Мой Киев (Києве мій)» Игоря Шамо и Дмитрия Луценко. Гуляев с огромным успехом пел также русские народные песни. В их числе «Из-за острова на стрежень», «Вдоль по Питерской», «Метелица», «Утёс».
Написал ряд собственных песен, одна из которых — «Желаю Вам» (на стихи Роберта Рождественского).
Голос Гуляева — лирико-драматический баритон, очень мягкий, тембристый, глубокий и объёмный, с крупной вибрацией. Голосоведение очень естественное, ровное, кантилена протяжная. Излюбленная манера пения — заглушенным, затемнённым, матовым звуком, с мощной динамикой.
В 1968 году появился музыкально-вокальный цикл песен Александры Пахмутовой на слова Николая Добронравова «Созвездие Гагарина», в который вошли песни «Знаете, каким он парнем был», «Как нас Юра в полет провожал», «Запевала звездных дорог». Песня «Знаете, каким он парнем был» навсегда стала визитной карточкой Гуляева, как и песни «Русское поле», «На безымянной высоте».
В 1970-е годы СССР очень успешно и интенсивно осваивал космос, имена космонавтов были на слуху, они становились национальными героями, популярными и уважаемыми. Космические подвиги облекались в стихотворную и музыкальную форму. Именно Гуляев в сотрудничестве с А. Пахмутовой и Н. Добронравовым воспевал космонавтов. Романтическое и мужественное пение удачно гармонировало с внешним обликом певца — высоким, мощным, с мужественными но мягкими чертами лица, с особой, обаятельной улыбкой, которую называли гагаринской.
На досуге его любимыми занятиями были шахматы и игра на пианино. Сам сочинял музыку, причем был очень строг по отношению к себе. Он говорил: «Если композитору достаточно написать на тройку – это будет моей пятеркой, но если я напишу на пятерку, это будет всего лишь тройка». Из писателей больше всех любил Чехова и Есенина. Очень любил водить машину.
23 апреля 1986 года скончался от сердечного приступа за рулём собственного автомобиля, прямо у гаража. Похоронен на Ваганьковском кладбище, участок № 1.
После смерти Гуляева издавались записи, расширялась дискография, выходили печатные материалы. «Как ужасно непростительно мы в будничной суете невнимательны друг к другу», - писала И.К.Архипова, вспоминая о Юрии Гуляеве.
В 2009 году о Юрии Гуляеве был снят документальный фильм «Неоконченная песня. Юрий Гуляев».



Из-за острова на стрежень


Русское поле


Каватина Фигаро из оперы "Севильский цирюльник" Дж. Россини


Ария Елецкого из оперы "Пиковая дама", П.И. Чайковского


Ария Роберта из оперы "Иоланта" П.И.Чайковского
terkat: (я - про меня)
Давненько классики не было у меня...

Гленн Гульд - ярчайшая фигура в пианистическом искусстве второй половины XX века, пианист, заставивший пересмотреть многие традиционные представления о фортепианном исполнительстве. Его интерпретация произведений Баха произвела подлинный переворот во взглядах на стиль исполнения музыки великого мастера. Не о всяком, даже очень крупном музыканте, можно сказать это. Гульд настолько оригинален, что все попытки подражать ему оказались безуспешны. И если верен афоризм Бюффона "стиль - это человек", то для того, чтобы глубже понять стиль Гульда, надо больше узнать о нем как о личности. Тогда полнее раскроется творческое кредо музыканта, станет яснее его выбор репертуара - порой довольно неожиданный, основу которого составляли Бах и композиторы Новой венской школы (Шенберг, Веберн, Берг), найдут оправдание многие "странности" его манеры игры. "Только огромнейший талант, большой мастер, высокий дух и глубокая душа могут так постигать и передавать "старину" и "сегодняшний день", как это делает Гленн Гульд", - писал Генрих Нейгауз после первого концерта в Москве совсем еще юного музыканта.


Glenn Gould plays Bach: Partita #2


Вечером 7 мая 1957 года на концерт в Большой зал Московской консерватории собралось совсем немного народа. Имя исполнителя не было известно никому из московских любителей музыки, и едва ли кто-либо из присутствующих возлагал на этот вечер слишком большие надежды.

Но то, что произошло затем, наверное, запомнилось каждому надолго.

Вот как описывал свои впечатления профессор Г. М. Коган: "С первых же тактов первой фуги из „Искусства фуги" Баха, которой канадский пианист Глен Гульд начал свой концерт, стало ясно, что мы имеем дело с выдающимся явлением в области художественного исполнения на фортепиано. Это впечатление не изменилось, а только укрепилось на всем протяжении концерта. Глен Гульд еще очень молод (ему двадцать четыре года). Несмотря на это, он уже сейчас зрелый художник и совершенный мастер с вполне определившейся, резко очерченной индивидуальностью. Эта индивидуальность сказывается решительно во всем - и в репертуаре, и в трактовке, и в технических приемах игры, и даже во внешней манере исполнения. Основа репертуара Гулда - крупные произведения Баха (например, Шестая партита, „Гольдберговские" вариации), Бетховена (например. Соната, соч. 109, Четвертый концерт), а также немецких экспрессионистов XX столетия (сонаты Хиндемита, Альбана Берга). Произведения таких композиторов, как Шопен, Лист, Рахманинов, не говоря уже о сочинениях чисто виртуозного или салонного характера, видимо, вовсе не привлекают канадского пианиста.

Тот же сплав тенденций классических и экспрессионистских характеризует и интерпретацию Гульда. Она замечательна огромным напряжением мысли и воли, поразительно рельефна по ритму, фразировке, динамическим соотношениям, по-своему очень выразительна; но выразительность эта, подчеркнуто экспрессивная, в то же время как-то аскетична. Удивительна сосредоточенность, с которой пианист „отрешается" от окружающего, погружается в музыку, энергия, с которой он выражает и „навязывает" аудитории свои исполнительские намерения. Намерения эти кое в чем, быть может, и спорны; однако нельзя не отдать должного импонирующей убежденности исполнителя, нельзя не восхититься уверенностью, ясностью, определенностью их воплощения, точным и безупречным пианистическим мастерством - такой ровной звуковой линией (в особенности в пиано и пианиссимо), такими отчетливыми пассажами, такой ажурной, насквозь „просматриваемой" полифонией. В пианизме Гульда своеобразно все - вплоть до приемов. Своеобразна его чрезвычайно низкая посадка. Своеобразна его манера дирижировать свободной рукой вовремя исполнения... Глен Гульд находится еще в самом начале своего артистического пути. Нет сомнения, что его ожидает блестящая будущность".

Мы привели эту небольшую рецензию почти полностью не только потому, что она была первым серьезным откликом на игру канадского пианиста, но главным образом потому, что портрет, очерченный с такой проницательностью маститым советским музыкантом, как это ни парадоксально, сохранил свою достоверность, в основном, и позднее, хотя время, конечно, внесло в него некоторые коррективы. Это, кстати, доказывает, каким зрелым сформировавшимся мастером предстал перед нами молодой Гульд.

Первые уроки музыки он получил в родном городе Торонто у матери, с 11 лет посещал там же Королевскую консерваторию, где изучал игру на фортепиано в классе Альберто Герреро и композицию у Лео Смита, занимался также у лучших органистов города. Гульд дебютировал как пианист и органист еще в 1947 году, а консерваторию окончил лишь в 1952. Ничто не предвещало стремительного взлета даже после того, как в 1955 году он с успехом выступал в Нью-Йорке, Вашингтоне и других городах США. Главным результатом этих выступлений стал контракт с фирмой звукозаписи Си-би-эс, сохранивший свою силу надолго. Вскоре была сделана и первая серьезная пластинка - "Гольдберговские" вариации Баха,- которая позже стала пользоваться огромной популярностью (до этого он, правда, уже записал в Канаде несколько произведений Гайдна, Моцарта и современных авторов). А начало мировой известности Гульда положил именно тот вечер в Москве.

Заняв видное положение в когорте ведущих пианистов, Гульд несколько лет вел активную концертную деятельность. Правда, он быстро прославился не только своими художественными достижениями, но и экстравагантностью поведения, строптивостью характера. То он требовал от организаторов концертов определенной температуры в зале, выходил на эстраду в перчатках, то отказывался играть, пока на рояле не будет стоять стакан воды, то затевал скандальные судебные процессы, отменял концерты, то выражал недовольство публикой, вступал в конфликты с дирижерами.

Мировую печать обошла, в частности, история о том, как Гульд, репетируя в Нью-Йорке ре-минорный Концерт Брамса, настолько разошелся с дирижером Л. Бернстайном в трактовке произведения, что исполнение чуть не сорвалось. В конце концов Бернстайн перед началом концерта обратился к публике, предупредив, что он не может "взять не себя ответственность за все, что сейчас произойдет", но все же будет дирижировать, так как исполнение Гульда "стоит того, чтобы его услышать"...

Да, с самого начала Гульд занял особое место среди современных артистов, и ему многое прощали именно за его необычность, за уникальность его искусства. К нему нельзя было подходить с традиционными мерками, и сам он осознавал это. Характерно, что, вернувшись из СССР, он поначалу хотел принять участие в Конкурсе имени Чайковского, но, подумав, отказался от этой мысли; едва ли такое самобытное искусство может уложиться в конкурсные рамки. Впрочем, не только самобытное, но и одностороннее. И чем дальше концертировал Гульд, тем яснее становилась не только его сила, но и его ограниченность - как репертуарная, так и стилистическая. Если его трактовка музыки Баха или современных авторов - при всей своей оригинальности - неизменно получала высочайшую оценку, то его "вылазки" в другие музыкальные сферы вызывали бесконечные споры, неудовлетворенность, а подчас даже сомнение в серьезности намерений пианиста.

Как ни эксцентрично вел себя Гленн Гульд, тем не менее его решение окончательно оставить концертную деятельность было встречено, как удар грома. С 1964 года Гульд не выходил на концертную эстраду, а в 1967 году в последний раз появился перед публикой в Чикаго. Затем он публично заявил, что не намерен больше выступать и хочет полностью посвятить себя грамзаписи. Поговаривали, что поводом, последней каплей, послужил весьма недружелюбный прием, устроенный ему итальянской публикой после исполнения пьес Шёнберга. Но сам артист мотивировал свое решение теоретическими соображениями. Он заявил, что в век техники концертная жизнь вообще осуждена на вымирание, что только грамзапись дает артисту возможность создать идеальное исполнение, а публике - условия для идеального восприятия музыки, без помех со стороны соседей по концертному залу, без случайностей. "Концертные залы исчезнут,- предрекал Гульд.- Их заменят пластинки".

Решение Гульда и его мотивировки вызвали бурную реакцию среди специалистов и публики. Некоторые иронизировали, другие всерьез возражали, третьи - немногие - осторожно соглашались. Однако факт остается фактом - около полутора десятилетий Гленн Гульд общался с публикой только заочно, только при помощи пластинок.

В начале этого периода он работал плодотворно и интенсивно; его имя перестало мелькать в рубрике скандальной хроники, но оно по-прежнему привлекало внимание музыкантов, критиков, любителей музыки. Новые пластинки Гульда появлялись почти ежегодно, но общее число их невелико. Значительную часть его записей составляют произведения Баха: шесть Партит, концерты ре мажор, фа минор, соль минор, "Гольдберговские" вариации и "Хорошо темперированный клавир", двух- и трехголосные инвенции, Французская сюита, Итальянский концерт, "Искусство фуги"... Здесь Гульд снова и снова выступает своеобразнейшим музыкантом, как никто другой слышащим и воссоздающим сложную полифоническую ткань баховской музыки с огромной интенсивностью, выразительностью, высокой одухотворенностью. Каждой своей записью он снова и снова доказывает возможность современного прочтения баховской музыки - без оглядок на исторические прототипы, без возвращения к стилистике и инструментарию далекого прошлого, то есть доказывает глубокую жизненность и современность музыки Баха в наши дни.

Другой важный раздел репертуара Гульда - творчество Бетховена. Еще раньше (с 1957 по 1965 год) он записал все концерты, а затем пополнил список своих записей многими сонатами и тремя большими вариационными циклами. Тут он тоже привлекает свежестью замыслов, но далеко не всегда - их органичностью и убедительностью; подчас его трактовки полностью расходятся, как отметил советский музыковед и пианист Д. Благой, "не только с традициями, но и с основами бетховенского мышления". Невольно иногда возникает подозрение, что отклонения от принятых темпов, ритмического рисунка, динамических пропорций вызваны не продуманной концепцией, а желанием сделать все не так, как другие. "Последние записи Гульдом бетховенских сонат из опуса 31,- писал в середине 70-х годов один из зарубежных критиков,- едва ли удовлетворят как его поклонников, так и его противников. Те, кто любит его за то, что он идет в студию только тогда, когда готов сказать нечто новое, еще не сказанное другими, сочтут, что в этих трех сонатах не хватает как раз творческого вызова; другим же все то, что он делает иначе, чем его коллеги, не покажется особенно оригинальным".

Это мнение возвращает нас к словам самого Гульда, определившего однажды свою цель так: "Прежде всего я стремлюсь избежать золотой середины, увековеченной на пластинке многими превосходными пианистами. Я считаю, что при записи очень важно подчеркнуть те аспекты, которые освещают данное произведение с совершенно необычной точки зрения. Исполнение нужно максимально приблизить к творческому акту - вот ключ, вот решение проблемы". Иногда этот принцип приводил к выдающимся достижениям, но в тех случаях, когда творческий потенциал его личности вступал в противоречие с характером музыки,- к неудачам. Покупатели пластинок уже привыкли к тому, что каждая новая запись Гульда несла в себе неожиданность, давала возможность услышать знакомое произведение в новом свете. Но, как справедливо заметил один из критиков, в перманентно ошарашивающих интерпретациях, в вечном стремлении к оригинальности тоже таится угроза рутины - к ним привыкают и сам исполнитель и слушатель, и тогда они становятся "штампами оригинальности".

Репертуар Гульда всегда был четко профилирован, но не так уж узок. Он почти не играл Шуберта, Шопена, Шумана, Листа, исполнял немало музыки XX века - сонаты Скрябина (№ 3), Прокофьева (№ 7), А. Берга, Э. Кшенека, П. Хиндемита, все сочинения А. Шёнберга, в которых участвует фортепиано; он возрождал к жизни сочинения старинных авторов - Бэрда и Гиббонса, удивлял поклонников фортепианной музыки неожиданным обращением к листовской транскрипции Пятой симфонии Бетховена (воссоздавал за роялем полнокровное звучание оркестра) и фрагментов из вагнеровских опер; он неожиданно записывал забытые образцы романтической музыки - Сонату (соч. 7) Грига, Ноктюрн и Хроматические вариации Визе, а порой даже и сонатины Сибелиуса. Гульд также сочинял собственные каденции к бетховенским концертам и исполнял фортепианную партию в монодраме Р. Штрауса "Энох Арден", наконец, он записывал на органе "Искусство фуги" Баха и, впервые сев за клавесин, дарил своим почитателям превосходную интерпретацию Сюиты Генделя. Ко всему этому Гульд активно выступал как публицист, автор телевизионных передач, статей и аннотаций к собственным записям как письменных, так и устных; подчас его высказывания содержали и выпады, возмущающие серьезных музыкантов, подчас, напротив,- глубокие, хотя и парадоксальные мысли. Но случалось и так, что свои литературно-полемические утверждения он же опровергал собственной интерпретацией.

Вот эта разносторонняя и целеустремленная активность давала основание надеяться, что артист еще не сказал последнего слова; что и в будущем его искания приведут к значительным художественным результатам. В некоторых его записях, пусть очень неопределенно, но все же ощущалась тенденция отхода от тех крайностей, которые характеризовали его до сих пор. Элементы новой простоты, отказа от манерности и экстравагантности, возвращения к первозданной красоте фортепианного звука наиболее отчетливо видны в его записях нескольких сонат Моцарта и 10 интермеццо Брамса; игра артиста отнюдь не потеряла от этого вдохновенной свежести и своеобразия.

В какой степени эта тенденция получила бы развитие, говорить, разумеется, трудно. Один из зарубежных обозревателей, "прогнозируя" пути будущего развития Глена Гульда, предположил, что либо он станет со временем "нормальным музыкантом", либо будет играть в дуэтах с другим "возмутителем спокойствия" - Фридрихом Гульдой. Ни та, ни другая возможность не казались невероятными.

В последние годы Гульд - этот "музыкальный Фишер", как называли его журналисты,- оставался в стороне от художественной жизни. Он поселился в Торонто, в гостиничном номере, где оборудовал небольшую студию звукозаписи. Отсюда расходились по миру его пластинки. Сам же он подолгу не покидал своих апартаментов и лишь по ночам совершал прогулки на автомобиле. Здесь, в этом отеле, и настигла артиста неожиданная смерть. Но, конечно, наследие Гульда продолжает жить, его игра и сегодня поражает своей неповторимостью, несхожестью с любыми известными образцами. Огромный интерес вызывают и его литературные работы, собранные и прокомментированные Т. Пейджем и вышедшие уже на многих языках.

Григорьев Л., Платек Я.
via Гленн Гульд (Glenn Gould)




Слушаем...

Glenn Gould-J.S. Bach-The Art of Fugue


Glenn Gould-J.S. Bach-Brandenburg Concerto No.5-part 1 of 2


Glenn Gould-Beethoven-Liszt-Symphony No.6 (excerpts)


Glenn Gould-Mozart-Sonata No.13 B flat major-KV333-part 1 of 3
terkat: (Девушка-ветки)
Эх, прозевала вчера дату:

12 ноября 1833 года родился Александр Порфирьевич Бородин.
«В следующий раз, когда будешь слушать Бородина, вспомни, что он был простым химиком, писавшим музыку, чтобы расслабиться», — писал Чарльз Буковски в стихотворении «Жизнь Бородина».
Но уже больше ста лет Большой и Мариинский театры ставят на своих сценах «Князя Игоря» — оперу этого простого русского химика.

"Князь Игорь" - Половецкие пляски


Чарльз Буковски 'Жизнь Бородина' )
terkat: (Девушка-ветки)
АДАЖИО АЛЬБИНОНИ
Адажио соль минор для струнных инструментов и органа, известное как Адажио Альбинони — произведение Ремо Джадзотто, впервые опубликовано в 1958 году.


По утверждению Джадзотто )


ТОМАЗО АЛЬБИНОНИ )
terkat: (Девушка-ветки)
Одной из самых мощных и характерных фигур итальянского искусства XVIII столетия стал Доменико Скарлатти. Он вошел в летопись музыкальной истории, прежде всего, как один из основоположников фортепианной музыки.

Sonata in G - K108


Доменико Скарлатти )
terkat: (Без выходных)
Вчера от Ирины [livejournal.com profile] iraizkaira получила комментарий:

Арканджело, милый Корелли!
Люблю ваши нежные трели!
Но в моде, увы, и поныне
Дьявольские - от Тартини.

Что ж, для друзей мне ничего не жалко!:)

Соната соль минор Тартини или "Дьявольская трель" — одно из наиболее известных камерных произведений Джузеппе Тартини.

Аркадий Клейн


Джузеппе Тартини. Из книги Владимира Янке 'Дыханье музыки' )
terkat: (Девушка-ветки)
Для снятия усталости и расслабления мне всегда помогает классическая музыка.

Арканджело Корелли (итал. Arcangelo Corelli; 17 февраля 1653, Фузиньяно, Равенна — 8 января 1713, Рим) — итальянский скрипач и композитор, считающийся создателем художественной игры на скрипке.

Sarabande


Творчество выдающегося итальянского композитора и скрипача )
terkat: (Девушка-ветки)
Извините, но про юбилей Джузеппе Верди я отпишусь:
великий итальянский композитор родился 200 лет назад.

Лучшее от Верди:

Треки )
terkat: (Девушка-ветки)
Два прекрасных творения от Камиля Сен-Санса и Джона Леннона, родившихся в один день, но с разницей почти в сто лет.

Камиль Сен-Санс "Лебедь", танцует Майя Плисецкая. Хореография Михаила Фокина


Джон Леннон - Imagine. Альбом вышел 8 октября 1971 года в канун дня рождения Леннона.
terkat: (Розы)
Исаак Шварц - советский и российский композитор. Народный артист Российской Федерации, лауреат Государственной премии России, единственный в стране композитор — трёхкратный обладатель кинопремии Ника. Автор симфонических произведений, а также музыки к двум балетам, более чем 35 спектаклям и 125 фильмам. Наибольшую известность Шварцу принесла его музыка в картинах С.Соловьёва и В. Мотыля.

Музыкой Шварца хочу поздравить с днём рождения добрую, милую, славную Марию [livejournal.com profile] m2007.
Машенька! Будь счастлива и здорова! Пусть каждый день твоей жизни будет солнечным и радостным!

для Маши

Прогуляемся по твоему любимому Санкт-Петербургу под музыку из фильма "Мелодии белой ночи":


И для настроения - Исаак Шварц "Любовь и разлука". Вечер-посвящение к 90-летию композитора:
terkat: (Птицы. Танцы)
АНДРЕ РЬЁ. КОНЦЕРТНАЯ ФЕЕРИЯ "КОРОЛЯ ВАЛЬСА"

Яркий, веселый концерт классической музыки, полный шуток и смеха, танцев и воздушных шариков, среди необычных декораций и красочных костюмов… Звучит необычно и неправдоподобно? Но именно такие концерты, полные позитива, и отличного настроения проводит голландский скрипач Андре Рьё. Зрители, посетившие его представления, навсегда запоминают их как великолепный праздник.



Журналисты давно окрестили знаменитого скрипача 'Королём вальсов' )
terkat: (Девушка-ветки)
Франц Шуберт "Вечерняя серенада" "Серенада"
P.S. Исправила название, потому как Тигерь [livejournal.com profile] tiketiger мне прочла лингвистическую лекцию, что "а вот товарищ Борис Тимофеев в своей книге "Правильно ли мы говорим" утверждает, что вечерняя серенада - это масло масляное, потому что серенада - это "вечерняя песня"
Музыка, песня и исполнение ни в коей мере от этого не пострадали!:)


Великий австрийский композитор Франц Шуберт )
terkat: (Девушка-ветки)
Сегодня 105 лет со дня рождения выдающего скрипача 20 века Давида Ойстраха.

Концерты для скрипки с оркестром Брамса, Сибелиуса и "Романс" соль мажор Бетховена в исполнении Давида Ойстраха (скрипка) и Академического симфонического оркестра Московской государственной филармонии п/у Геннадия Рождественского.
(Запись по трансляции 14.02.1966г. из Концертного зала им. П.И. Чайковского)


Давид Ойстрах )

И выношу сюда комментарий профессионального музыканта [livejournal.com profile] iraizkaira :
- Добавлю ещё, что он был очень хорошим и порядочным человеком, что говорят буквально все, кто хоть как-то сталкивался с ним. Что он был прекрасным педагогом. (Лучший из его учеников, кстати, - Гидон Кремер). И широкообразованным интеллигентом, в настоящем смысле этого затёртого слова.
terkat: (Птицы. Танцы)
Слушая по рекомендации Ирины [livejournal.com profile] iraizkaira гениального Гидона Кремера, нашла вот эти замечательные видео: Igudesman & Joo + Kremer & Kremerata

А знаете, что получается от тандема великолепных музыкантов с классической школой и обладающими потрясающим чувством юмора и артистизма?
Получаются - музыка, юмор и шоу Cinema @ Comedy
Я вам скажу, что я и смеялась, и наслаждалась!
Они прекрасны!

We Will Survive:


Кто есть кто в Igudesman & Joo + Kremer & Kremerata  )
terkat: (Девушка-ветки)
Просто слушаем красивую музыку Ференца Листа )

December 2013

M T W T F S S
       1
2 3 4 5 6 7 8
9 10 11 12 13 14 15
16 17 18 19 20 2122
23 24 25 26 27 28 29
30 31     
RSS Atom

Дизайн журнала

Развернуть кат

No cut tags
Page generated Jun. 25th, 2017 12:10 am
Powered by Dreamwidth Studios