terkat: (Птицы. Танцы)
Начинается новая неделя. Пусть будет "Всё пучком!"




О Потапе и Насте взято тут
Потап и Настя – это явление в современном шоу-бизнесе. Сочетание продюсера, композитора, автора, режиссера и шоу-мэна Потапа и красавицы, вокалистки Насти, уже само по себе было обречено на успех. Но такой мегапопулярности, как завоевал этот дуэт, не ожидал никто, даже сами участники проекта.
Потап и Настя – это Штирлиц и радистка Кэт, Василий Иванович и Анка пулеметчица, это Кен и Барби. Это народные герои и народные персонажи. Скандальные и эпатажные, гламурные и колхозные, но самое главное супер-хитовые и свежие, они снесли крышу миллионам слушателей и зрителей.
Потап и Настя – это самые-самые. Самые продаваемые, самые гастролирующие, самые популярные и т.д. За их спиной супер регалии и премии: Гран-при «Пять Звезд», Песня Года, Золотой Граммофон, Премия Муз-тв и многие другие. Их песни – рекордсмены по продажам и распространению мобильного контента. Они ставят рекорды посещения концертных площадок.
Потап и Настя – это Белое и Черное, Горячее и Холодное, Единица и Нолик, Инь и Янь, Плюс и Минус.
Потап и Настя – такие же, как Вы. Обычные, простые и очень компанейские ребята. В этом их секрет. Они оставили понты для других групп. Им просто очень нравится, когда Вам нравится.
И никакой биографии! Не любите друг другу мозги! Просто Любите!




Слушаем? Слушаем! Много клипов тут

Любовь со cкидкой


Прилелето


Вместе
terkat: (Девушка и кошка)
Несчастный Случай - Суета Сует


Текст взят здесь: Мульт-драма о суете: про видео «Суета сует» и счастливый билет «Несчастного случая»
19 сентября в легендарном клубе «Б2» устроила праздник фееричная группа «Несчастный случай». Отмечали появление на свет нового видео на песню «Суета сует».



Представителям прессы посчастливилось увидеть его первыми. Алексей Кортнев, стоя в луче света в центре пустого танцпола, рассказал, что видео для команды очень важно, признался, что сам будет сейчас первый раз смотреть его на большом экране, и, улыбнувшись, добавил: «Не волнуюсь совсем!» Совсем не волновалась, надо отметить, вся команда, а особенно режиссер, который, запуская видео, дважды случайно нажал локтем на паузу. Но, как на всяком хорошем празднике, мелкие неурядицы не испортили атмосферу, а только сделали ее более семейной и уютной. Последующие разговоры о клипе прошли в гримерке музыкантов, где Алексей Кортнев и Сергей Меринов, захлебываясь эмоциями, перебивая и дополняя друг друга, поведали о том, как проходили съемки.

Видео «Суета сует» – по словам музыкантов, не клип, а мультфильм. Снимала его команда «Пластилин», уже знакомая «Несчастному случаю» по работе с видео на песню «Шла Саша по шоссе». Однако на этот раз героями мультфильма стали не пластилиновые куклы, а люди. Алексей Кортнев и Чулпан Хаматова показали трогательную, нежную, немного смешную и очень грустную историю любви. В ночь она ускользает, и ему нет дороги за ней. Страдая, ломая голову и заливая ее же алкоголем, ему не остается ничего, кроме как вспоминать, искать ее в зеркале и петь: «Что ж улетай, тай, тай…» . По словам режиссера Сергея Меринова, это – «история, которая у каждого мужчины после сорока была, когда сам дурак и не сложилось».

Героями видео становятся не только люди, но и предметы, каждая мелочь, которая выстреливает подобно чеховскому ружью. Драматическая сцена разыгрывается не только между мужчиной и женщиной: зеркальная маленькая трагедия случается у несчастного рогалика, влюбленного в чашку кофе, которую отбивает модный айфон. Чашка проливает кофейные слезы над рассыпавшимся бубликом и разбивается сама. А из модного гаджета только вылетают старые фотографии героев мультфильма, сделанные до того, как она навсегда улетела…

Чулпан Хаматова абсолютно безвозмездно стала главной героиней этого непростого и, как отметил Кортнев, немного истеричного видео. Участники группы размышляли, кого бы позвать и что это должна быть женщина, похожая на Чулпан Хаматову. В следующие 15 минут Алексей созвонился с Чулпан и решил вопрос с этой задумкой. Выйдя на сцену во время концерта перед презентацией видео зрителям, Чулпан призналась, что является большей поклонницей группы «Несчастный случай» и с огромным удовольствием приняла участие в съемках.

Вдохновленный Сергей Меринов рассказывает журналистам, как интересна ему была работа, представляет оператора Евгения Цветкова, говорит о талантливых аниматорах, которые самозабвенно двигали героев мультфильма, делится, что администратором съемки выступил его сын Станислав Меринов, недавно окончивший университет по специальности управление. «Вот и управляй!» – сообщил сыну отец. Сергей также комментирует, каково было снимать мультфильм с живыми людьми: «Люди удобнее, чем куклы, потому что они сами доигрывают, быстрее соображают, мимика у них живее. Мне тут даже объявили, что у меня куклы переигрывают!»

Герои вечера рассказывают, как снимали в тридцатиградусной жаре. Во время съемок в студии кто-то случайно выключил вентиляцию и кондиционер и включил плиту. Когда приехали в Парк Горького, в котором администрация разрешила команде снимать бесплатно, на задуманной локации шла стройка, и пришлось снимать в цейтноте да еще и в ограниченном пространстве. Рассказывают про производственные травмы: Чулпан, прыгая босиком по земле, обожгла пальцы, оператор Евгений Цветков упал в обморок из-за страшной жары. Во время съемки ночной сцены в городе, на самой тихой улице Москвы случилось шествие богомольцев, так как именно в этот день был праздник Троицы. Несмотря на все эти рассказы, на просьбу побаловать журналистов курьезами, Алексей отвечает: «Когда работа хорошо организована, никаких курьезов на площадке нет. Даже во время съемок самой искрометной комедии смешного ничего не бывает». Сергей Меринов успокаивает: в его блоге все описано в подробностях, и курьезов там предостаточно.

Алексей Кортнев – настоящий шоумен, что проявляется как в неподражаемой сценической манере, так и в живом общении. Сниматься в кино и играть в театре для Алексея не ново. Поэтому мы попросили его прокомментировать, каково было стать героем мультфильма.

«Это скорее театр, нежели кино. Театр подразумевает некую, и очень большую, долю абстракции. Мне режиссер говорит: «Представь, что ты статуя, которая медленно движется, изменяясь в пространстве». И это очень интересное пластическое задание, и скорее для театрального актера, чем для киноактера. Кино – это про правду, про то, как действительно человек живет, существует, а потом его фильтруют, микшируют… А это – театральная работа, когда ты должен выполнять нечто противоестественное. Я был готов к этому, и мне было это очень интересно, потому что подобными пластическими этюдами мы занимались еще в студенческом театре МГУ в конце восьмидесятых годов прошлого века».

Концерт, следующий за посиделками в гримерке, вбирает в себя все лучшее от группы «Несчастный случай»: бурные танцы, любимые песни, отдельная и особенная глава об алкоголизме, хиты «Снежинка» и «Выборы», написанные для спектаклей и фильмов «Квартета И», презентация клипа, который демонстрируется под живое исполнение песни «Суета сует», хоровое пение «Генералов песчаных карьеров» вместе с залом.

Итогом ощущений от вечера: видео «Суета сует» хочется пересматривать снова и снова, проникая собственными чувствами в его непередаваемую атмосферу. Алексей Кортнев в который раз показывает себя как, пожалуй, самый зажигательный мужчина на российской сцене. А, глядя на группу, понимаешь, что «Несчастный случай» давно вытянул свой счастливый билет, по которому ездит вот уже 30 лет.



Суета сует, теснота теснот...
ночь, аэропорт, объявлен рейс.
Ты уже летишь, ты не чуешь ног.
Я с тобой, а ты уже не здесь.

Рюмка коньяку, шопинг на бегу -
и гуртом на борт занимать места.

Что ж улетай-тай-тай, в небе облака листай...
Что ж улетай-тай-тай, в небе облака листай...
Стала птицей ты, а я не стал.

Трое суток мы излучали свет,
Я тебя любил, а ты ждала.
Хоть один намёк, чтобы сдать билет,
Но не дождалась и не сдала.

Поцелуй пустой, на такси домой,
Как теперь смотреть в зеркало с утра?

Что ж улетай-тай-тай, в небе огоньком мигай...
Кончен разговор и стоп игра.
Что ж улетай-тай-тай, в небе огоньком мигай...

Сколько маленьких, миленьких, жалких и жарких подробностей!
Трое суток прожиты в сражении страсти и совести.
Проигравший кричит: "Ай-ай-ай!" Улетай...

Суета сует, пустота пустот,
Можно жить и так. Проходят дни:
Что ни день - закат, что ни ночь - восход.
Только не сорвись, не позвони.

На краю небес, словно мелкий бес -
Дразнит и зовёт синяя звезда!

Что ж улетай-тай-тай в небе глупая мечта...
Что ж улетай-тай-тай в небе глупая мечта...
Вряд ли я могу к тебе туда.
Вряд ли я хочу к тебе туда.
Вряд ли...
terkat: (Птицы. Танцы)
Вчера с Ириной [livejournal.com profile] iraizkaira вспомнили про "финты" с коленями во время танцев.
Ира говорит, что умела так танцевать.
И Наташа [livejournal.com profile] jogikbumi тоже умеет!
А у меня не получалось, как ни старалась!
Может, ещё не всё потеряно и попробовать научиться сейчас?

И в тему вспомнила про "Уральские пельмени" с "Дискотекой на Химмаше".
Смотреть смешно, но и вспоминать приятно.


Суббота, друзья! Танцуют все!:)

terkat: (Птицы. Танцы)
…Позитив, исходящий от этой песни, способен живо поднять настроение, каким бы плохим оно ни было до того. Что-то есть такое в ритме и музыке, заставляющее улыбнуться, воспрянуть духом, сделать звук погромче, и, вполне вероятно, начать создавать «художественные образы средствами пластических движений и ритмически четкой и непрерывной смены выразительных положений человеческого тела».

Это о незабываемой песне "Хафанана" ("Hafanana") в исполнении яркого и неподражаемого певца.

Все знают его под именем Африк Симон (Afric Simone): барабанщик, певец и конферансье. Настоящее ли это имя? Нет, вряд ли. Скорее это имя подчёркивает цвет его кожи. Он приступает к выполнению каждой новой задачи с неизменной радостью и энтузиазмом, поскольку, фактически, он рождён для этой работы, потому что у него есть и прекрасно развитое музыкальное чувство, и способность очаровывать людей.



Он очень уверенно держится на сцене и, прежде всего, у него есть богатая практика. Откуда он пришёл? Как приобрёл свои таланты? Африк Симон родился 17 июля 1945 года в Бразилии, но в девятилетнем возрасте, когда умер его отец, он с матерью обосновался в столице Мозамбика, что на юго-востоке Африки, городе Мапуту, носившего ранее имя Лоре́нсу-Ма́ркиш (Lourenço Marques) в честь португальского торговца, исследовавшего побережье в 1544 году. Этот город-порт – административный, культурный и деловой центр, один из красивейших африканских городов с великолепной набережной и современными высотными зданиями, — сохранил влияние португальской культуры. Жаркий климат, грациозные негритянки, потрясающие закаты на Коста до Соль, африканские ритмы – всё это оказало существенное влияние на юного Африка Симона и нашло отражение в его песнях.

Однажды, после выступления на сцене в одном из клубов Мапуту, менеджер уговорил его приехать в Лондон. Делая первые небольшие шаги в шоу-бизнесе, он в итоге приобрёл бесценный опыт выступлений и в других европейских столицах. И вскоре его менеджер обнаружил реальные таланты Африка Симона.

В течение многих лет, каждую ночь молодой темнокожий певец был гостем в различных ночных клубах мира в то время, когда не устраивал свои регулярные 40-дневные туры по африканским и южноамериканским городам. Постепенно он отшлифовывал свою квалификацию концертных выступлений. Ведь что такое для него появляться в клубах каждую ночь? Это трудная работа. И к тому же очень сложно понять, нравится людям твоё шоу или нет. Вряд ли выступления в дыму ночных клубов были пределом мечтаний паренька, но если ты достаточно силён и целеустремлён, ты не будешь разочарован любой попутной работой в шоу-бизнесе. Африк Симон как раз был силён и трудолюбив. Иногда он был барабанщиком, иногда пел с группой. И, наконец, он стал непревзойденной звездой шоу-бизнеса. Не испытывая недостатка в приглашениях, он, тем не менее, постоянно расширял свой репертуар и сделал несколько студийных записей, что благотворно повлияло на его карьеру, но не более. Но вот когда он отнёсся к этому по-настоящему серьёзно и записал несколько серьёзных вещей, только тогда его популярность взлетела до небес. Африк Симон, который владел немецким, английским, португальским, французским и различными африканскими языками, просто сказал себе: «язык не может быть проблемой, если ритм, музыка и звук являются правильными». Эта идея привела его в итоге к очень специфической смеси своего родного языка со счастливым звучанием европейских языков в своих песнях. «Ramaya», записанная в 1975 году, стала первой из многих таких песен, особенно популярной в то время во Франции, Бельгии и Нидерландах. И хотя никто не знал, каков был истинный смысл этой весёлой песенки, все были в полном восторге от неё. Африку Симону также крупно повезло, когда Эдди Барклай (Eddy Barclay) увидел одно из его выступлений. Французский медиа-магнат почувствовал, что работа с Африком будет очень продолжительной и успешной…

В том же 1975 году Африк Симон записал своё очередное гениальное творение – песню «Hafanana», которая также долгое время занимала лидирующее положение в европейских чартах вместе с «Ramaya». В дальнейшем, Африк Симон гастролировал по всему миру, в том числе, и в странах восточного блока, включая ГДР, Чехословакию и СССР, где он стал особенно популярен.

В конце 70-х годов песня Африка Симона «Hafanana» прозвучала в программе «Мелодии и ритмы зарубежной эстрады». Весёлая, залихватская, выделяющаяся на фоне идеологически выдержанного, как правило, строгого репертуара отечественных звёзд эстрады, песня пришлась по вкусу и чиновникам из Минкульта, и простым людям. К тому же, видимо, сказался и цвет кожи певца, поскольку все ещё помнили Поля Робсона (Paul Robeson), «угнетенного негра, нашедшего гостеприимное убежище в СССР». В 1978 году «Hafanana» появилась на мягком диске в журнале "Кругозор". В 1982 году песня прозвучала в одной из программ «Утренняя почта». Позже в музыкальных магазинах СССР появился и виниловый диск, отпечатанный в Польше, с лучшими песнями Африка Симона. И с тех пор он настолько прочно прописался в советской эстрадной культуре, что и сейчас многие знают, помнят, любят этого замечательного исполнителя и его песни.

Полагают, что песня «Hafanana» написана на языке шангаан народа тсонга, живущего в Мозамбике южнее реки Саби и в сопредельных районах ЮАР и Южной Родезии. Язык относится к юго-восточной группе языковой семьи банту. В 1975 году общая численность составляла 3,2 миллиона человек, так что если вдруг встретится кто-то, владеющий также русским языком, все мы будем рады за полный литературный перевод песни.

Также есть мнение, что «Hafanana» – это песня о человеческом равенстве. Приблизительный перевод: «Я – чёрный, ты – белый, я – бедный, ты – богатый, но перед Богом мы все равны».

via История песни 'Hafanana'



Бонусом ещё песни в исполнении Африка Симона

Todo Pasara,Maria


Ramaya
terkat: (Розы)
Сегодня музыка посвящается очаровательной Алёне [livejournal.com profile] rukella




Правда, Алёна предупредила:
"Вечером выключу телефон, чтоб завтра никто не догадался сдуру поздравить. Я знаю, что сорок лет не празднуют мужчины, но чем черт не шутит? Тут лучше перебдеть, чем недобдеть. Кому охота, можете звонить шестого, уже можно будет. А до интернета доберусь в субботу, опять же, можете виртуально припасть мне на могучую грудь."



Но песни в честь твоего дня, Алёна, споём!

Сергей Рогожин Чародейка


Тимур Шаов, Патриотический марш
terkat: (Девушка и кошка)
Когда вчера писала про ЗИМНИЕ ПЕСНИ, как снежный ком на меня навалились песни в исполнении БИ-2.

Потому сегодня в моей "прихоти" - ГРУППА БИ-2:)

Эта захватывающая история началась в 1985 году, когда два белорусских подростка Лева и Шура повстречались на сцене минской театральной студии "Ронд" . Белорусские парни и девчонки в возрасте от 14 до 18 лет вместо того, чтобы выпивать по подвалам, всерьез увлекались театром абсурда. Молодежная студия осилила сначала Бориса Виана (спектакль закрыли на третьем показе), а затем Беккета с его пьесой "В ожидании Годо" (эта постановка прожила еще меньше, загнувшись от рук комсомольцев уже на втором показе), и "Лысую певицу" Ионеско. В конце концов, руководство "Дворца пионеров" совсем прикрыло тусовку талантливой молодежи, которая, не сильно расстраиваясь, решила пробовать себя на музыкальном поприще.
Далее подробно и интересно о БИ-2 здесь: История группы


Слушаем и наслаждаемся

Научи меня быть счастливым


Серебро


Нечётный воин 3 - Касаясь земли (Би-2, Ренарс Кауперс, Найк Борзов)


Её Глаза


Вечная Призрачная Встречная


Блеф

Исторически-спиритическое видео снимали в Москве на "Кинофабрике" в начале августа. В создании картины спиритического сеанса начала XX века участвовали родные и друзья группы. Роль полковника исполнил папа Шуры Би-2 Николай Уман, супруги Лёвы и Шуры, Ася и Лиза, примерили на себя амплуа аферисток, а друг группы, Сергей Пак, сыграл китайца. В главную героиню клипа перевоплотилась актриса Московского художественного театра имени А. П. Чехова Екатерина Семёнова.

Помимо Екатерины, в клипе снимался целый состав профессиональных актеров: чародея сыграл Владимир Малков, вдову -- Алла Маркова, дворецкого -- Дмитрий Архангельский, священника -- Алексей Шаранин, а подсобника -- Сергей Комаров. Наряду со взрослыми артистами на экране появятся и дети: близнецы -- Полина и Дарья Каштановы, воришка -- Никита Казлякин, а серьезную роль солдата играет сын Лёвы, Авив.

Би-2 - Молитва (OST "Метро")

"Молитва" звучит в финале фильма "Метро", который вышел в прокат 21 февраля. Изначально Би-2 не планировали снимать клип на эту композицию, но изменили своё решение после предложения о сотрудничестве, поступившего от создателей "Метро" - первого за последние два десятка лет отечественного фильма-катастрофы.

По мнению Антона Мегердичева, режиссёра кинокартины, "Молитва" очень хорошо подошла фильму по смыслу и сразу легла на смонтированный видеоряд, подчеркнув драматическую линию. Съёмки музыкального видео на песню "Молитва" прошли 15 января в клубе Stadium Live, режиссёром стал Александр Андрющенко, для которого это уже восьмой по счёту клип Би-2.
terkat: (Девушка и кошка)
Николай Рубцов
Зимняя песня

В этой деревне огни не погашены.
Ты мне тоску не пророчь!
Светлыми звездами нежно украшена
Тихая зимняя ночь.

Светятся тихие, светятся чудные,
Слышится шум полыньи...
Были пути мои трудные, трудные.
Где ж вы, печали мои?

Скромная девушка мне улыбается,
Сам я улыбчив и рад!
Трудное, трудное - все забывается,
Светлые звезды горят!

- Кто мне сказал, что во мгле заметеленной
Глохнет покинутый луг?
Кто мне сказал, что надежды потеряны?
Кто это выдумал, друг?

В этой деревне огни не погашены.
Ты мне тоску не пророчь!
Светлыми звездами нежно украшена
Тихая зимняя ночь...


ЗИМНИЕ ПЕСНИ

Би 2 и Чичерина - Падает снег


БИ 2 - В этом городе


Аквариум - Гимн Анахорету


Аквариум Зимняя роза


Лариса Долина - Три белых коня


Наутилус Помпилиус - Монгольская степь


Валентина Толкунова - Кабы не было зимы


Олег Погудин - В лунном сиянии
terkat: (Девушка и кошка)
«Замыкая круг» — песня, написанная Крисом Кельми (музыка) и Маргаритой Пушкиной (слова).




Песня была первоначально написана Крисом Кельми и Маргаритой Пушкиной для репертуара группы «Рок-Ателье». А годом ранее была записана инструментальная версия трека для программы «Ритмическая гимнастика»



В 1987 году был записан клип песни, в исполнении которой принимали участие многие популярные артисты (в порядке их появления на экране в клипе 1987 года):

Крис Кельми
Александр Градский
Константин Никольский
Юрий Горьков
Александр Ситковецкий
Виталий Дубинин,
Сергей Минаев,
Ованес Мелик-Пашаев,
Андрей Макаревич
Александр Монин
Григорий Безуглый
Евгений Маргулис
Марина Капуро
Павел Смеян
Жанна Агузарова
Анатолий Алешин
Андрей Давидян
Валерий Сюткин
Юрий Давыдов
Александр Иванов,
Александр Кутиков
Дмитрий Варшавский
Артур Беркут
Известный клип был показан в эфире Центрального Телевидения СССР в новогоднюю ночь 1987—1988 годов. Эта песня и клип по характеру и атмосфере стали советским ответом на проект Майкла Джексона «We are the world».

We Are The World


Как отзывалась Марина Капуро о песне 1987 года, для записи собрались лучшие вокалисты страны.
В 2005 году серия концертов в турне по России Криса Кельми также получила название «Замыкая круг».
В 2007 году Крис Кельми собрал некоторых из исполнителей клипа 1987 года и записал новую редакцию, к 20 летию события, в эфире программы НТВ «Главный герой».

Замыкая круг. 20 лет спустя.
terkat: (Девушка и кошка)
Scorpions — легендарная немецкая рок-группа, основана в 1965 году в Ганновере. Для стиля группы были характерны как классический рок, так и лирические гитарные баллады. Является cамой популярной рок-группой Германии и одной из самых известных групп на мировой рок-сцене, продавшей более 100 миллионов копий альбомов.

Наиболее известными композициями группы считаются: «Still Loving You», «Rock You Like a Hurricane», «Wind of Change» и «Send Me an Angel». Коллектив занимает 46-ю строчку в списке «Величайших артистов хард-рока» по версии VH1.

С 2010 года группа гастролировала с прощальным туром «Get Your Sting And Blackout», который продлился до 2013 года.


Слушаем и наслаждаемся

Still loving you


Wind Of Change


Lorelei


Send Me An Angel



Наргиз Закирова - Still loving you
terkat: (Девушка-ветки)
Юрий Гуляев — советский оперный и эстрадный певец (баритон), композитор. Народный артист СССР (1968).
...Его голос "по слуху" узнавала вся страна: даже там, где не было ни филармонии, ни оперы, ни телевидения, а только радиоприемник, - даже там сразу определяли: "поет Юрий Гуляев". Да, это был Божий дар - тембр его голоса. Неизъяснимо обаятельный, словно обволакивающий добротой, вселяющий мужество и доверие, согревающий надеждой. Словом, несущий спасительную и возвышенную романтическую красоту...

Старые слова


Желаю Вам



Юрий Гуляев в программе АБСОЛЮТНЫЙ СЛУХ


Юрий Гуляев родился 9 сентября 1930 года, в Тюмени. Огромное влияние на Юрия оказала его мама, Вера Федоровна. Она знала и любила музыку, сама хорошо пела. Юрий с детства заучивал песни и романсы, которые звучали на пластинках, с которых звучали голоса Ляли Черной, Вари Паниной, Тамары Церетели, и Сергея Яковлевича Лемешева, которого он боготворил с детства.
После десятилетки Гуляев поступил в Свердловский медицинский институт. Там он принимал активное участие в художественной самодеятельности и ему посоветовали учиться пению профессионально. В 1954 году окончил Уральскую консерваторию по классу пения Ф. И. Образцовской. В разное время пел в Свердловском, Донецком и Киевском оперных театрах. С 1975 года — солист Большого театра. В своих сольных концертах исполнял как арии из опер, так и романсы, народные песни.
Наиболее удачные партии — Жермон, Онегин, Валентин («Фауст»), граф Ди Луна («Трубадур»), Фигаро («Севильский цирюльник»).
Наибольшую известность получил как эстрадный певец. Визитная карточка певца — песни «Знаете, каким он парнем был?», «Твоя нежность», «Созвездие Гагарина» Александры Пахмутовой и Николая Добронравова, «Русское поле» Яна Френкеля и Инны Гофф, «На безымянной высоте» Вениамина Баснера и Михаила Матусовского, «Мой Киев (Києве мій)» Игоря Шамо и Дмитрия Луценко. Гуляев с огромным успехом пел также русские народные песни. В их числе «Из-за острова на стрежень», «Вдоль по Питерской», «Метелица», «Утёс».
Написал ряд собственных песен, одна из которых — «Желаю Вам» (на стихи Роберта Рождественского).
Голос Гуляева — лирико-драматический баритон, очень мягкий, тембристый, глубокий и объёмный, с крупной вибрацией. Голосоведение очень естественное, ровное, кантилена протяжная. Излюбленная манера пения — заглушенным, затемнённым, матовым звуком, с мощной динамикой.
В 1968 году появился музыкально-вокальный цикл песен Александры Пахмутовой на слова Николая Добронравова «Созвездие Гагарина», в который вошли песни «Знаете, каким он парнем был», «Как нас Юра в полет провожал», «Запевала звездных дорог». Песня «Знаете, каким он парнем был» навсегда стала визитной карточкой Гуляева, как и песни «Русское поле», «На безымянной высоте».
В 1970-е годы СССР очень успешно и интенсивно осваивал космос, имена космонавтов были на слуху, они становились национальными героями, популярными и уважаемыми. Космические подвиги облекались в стихотворную и музыкальную форму. Именно Гуляев в сотрудничестве с А. Пахмутовой и Н. Добронравовым воспевал космонавтов. Романтическое и мужественное пение удачно гармонировало с внешним обликом певца — высоким, мощным, с мужественными но мягкими чертами лица, с особой, обаятельной улыбкой, которую называли гагаринской.
На досуге его любимыми занятиями были шахматы и игра на пианино. Сам сочинял музыку, причем был очень строг по отношению к себе. Он говорил: «Если композитору достаточно написать на тройку – это будет моей пятеркой, но если я напишу на пятерку, это будет всего лишь тройка». Из писателей больше всех любил Чехова и Есенина. Очень любил водить машину.
23 апреля 1986 года скончался от сердечного приступа за рулём собственного автомобиля, прямо у гаража. Похоронен на Ваганьковском кладбище, участок № 1.
После смерти Гуляева издавались записи, расширялась дискография, выходили печатные материалы. «Как ужасно непростительно мы в будничной суете невнимательны друг к другу», - писала И.К.Архипова, вспоминая о Юрии Гуляеве.
В 2009 году о Юрии Гуляеве был снят документальный фильм «Неоконченная песня. Юрий Гуляев».



Из-за острова на стрежень


Русское поле


Каватина Фигаро из оперы "Севильский цирюльник" Дж. Россини


Ария Елецкого из оперы "Пиковая дама", П.И. Чайковского


Ария Роберта из оперы "Иоланта" П.И.Чайковского
terkat: (Птицы. Танцы)
Одно время я вместе с дочерью "тащилась" от этой группы:)
Мы её называли Ася и Бася:)

Ace of Base — шведская поп-группа, состоявшая из Йонаса Берггрена (автор текстов песен и музыки, гитара, синтезатор, вокал), Ульфа Экберга (автор текстов песен и музыки, синтезатор, вокал), Линн Берггрен (автор текстов песен и музыки, вокал) и Дженни Берггрен (автор текстов песен и музыки, вокал).
Как и многие другие шведские музыканты, они исполняют свои песни на английском языке.
Beautiful Life


All That She Wants


Альбом группы «Happy Nation / The Sign» является самым продаваемым дебютным альбомом в истории. В США пластинка была удостоена звания платиновой девять раз. Это был первый в мире дебютный альбом, 3 песни из которого («All That She Wants», «The Sign», «Don’t Turn Around») достигали первого места в чартах Billboard Mainstream Top 40.

В 2007 году группу покинула одна из центральных солисток Линн Берггрен. В 2009 году коллектив покинула солистка Дженни Берггрен. Оставшиеся участники — Йонас Берггрен и Ульф Экберг в 2010 году создали новый музыкальный проект, который получил название Ace.of.Base. Осенью 2010 года новым коллективом был выпущен первый альбом «The Golden Ratio».

Подробности о группе здесь: Ace of Base


Альбомы

Happy Nation


The Bridge


Flowers / Cruel Summer
terkat: (я - про меня)
Эдита Пьеха (фр. Édith-Marie Pierha; польск. Edyta Piecha) — советская и российская эстрадная певица (контральто), актриса. Народная артистка СССР (1988).
Долгожитель эстрады.
Голос - красивый.

Честно говоря, любви особой я к этой певице никогда не испытывала.

Но слов из песни из истории советской эстрады её не выбросишь...

Наш сосед


Эдита Пьеха родилась в шахтёрском посёлке Нуайэль-су-Ланс на севере Франции в 300 км от Парижа (департамент Па-де-Кале). Отец — Станислав Пьеха, шахтёр; мать — Фелиция Королевска — поляки, жили во Франции, куда приехали в поисках работы.

В 1946 году вместе с матерью, отчимом и младшим братом уехала в Польшу. Обучаясь в школе, пела в хоре; училась в педагогическом лицее в Валбжихе (закончила с отличием) и на курсах русского языка.

В 1955 году по путёвке польского комсомола приехала в Ленинград. Учась на отделении психологии философского факультета Ленинградского университета, принимала участие в студенческих концертах; в новогоднюю ночь с 1955 на 1956 по приглашению Александра Броневицкого выступила с вокальным ансамблем студентов Ленинградской консерватории с песенкой на польском языке «Красный автобус (Autobus czerwony)» Владислава Шпильмана. Первое её выступление стало триумфом польской студентки — она четырежды бисировала, а буквально на следующий же день о ней и о студенческом коллективе узнал весь Ленинград. Стала солисткой этого ансамбля, который в 1956 году получил название «Дружба». Это название придумала сама Эдита Пьеха перед выступлением ансамбля 8 марта 1956 г. в Филармонии. В 1956 г. Эдиту сняли в документальном фильме «Мастера ленинградской эстрады» с песнями «Красный автобус» и «Гитара любви», в том же году на «Ленгрампластмассе» были записаны первые ее грампластинки. В 1957 с программой «Песни народов мира» ансамбль «Дружба» и Эдита Пьеха завоевали золотую медаль и звание лауреатов VI Всемирного фестиваля молодёжи и студентов в Москве. Однако свою профессиональную творческую деятельность артистка отсчитывает с осени 1957 г. — когда впервые она увидела своё имя на афише. Вместе с «Дружбой» Э. Пьеха выступала во десятках стран мира, в том числе в Польше, Чехословакии, ФРГ, Финляндии, ГДР, Венгрии, Австрии, на Кубе, в Гондурасе, Боливии, Перу. Э. Пьеха пела на сцене парижской «Олимпии» по приглашению Б.Кокатрикса, выступала в Монголии, США, Афганистане.

В 1976 году организовала свой ансамбль, музыкальным руководителем которого стал выпускник Ленинградской консерватории Григорий Клеймиц. Первое выступление ансамбля было на Всероссийском конкурсе исполнителей советской песни в Сочи в октябре 1976 и принесло победу — коллектив был удостоен почётного диплома. Стала первой исполнительницей многих песен лучших советских авторов: работала с композиторами А. Флярковским, О. Фельцманом, М. Фрадкиным, А. Петровым, Г. Портновым, С. Пожлаковым, В. Успенским, Я. Френкелем, А. Пахмутовой, поэтами Р. Рождественским, И. Шафераном, Е. Долматовским, Н. Добронравовым, Л. Ошаниным и др.

Более 20 дисков-гигантов записано на фирме «Мелодия», песни из которых вошли в золотой фонд советской и российской эстрады. Многие песни были выпущены фирмами грамзаписи во Франции, на Кубе, в ГДР, Польше. Гастролировала более чем в 40 странах мира. На Кубе была удостоена титула «Госпожа песня», дважды выступала на сцене парижского зала «Олимпия» (в том числе 47 концертов подряд), стала первой из советских эстрадных артистов, выступивших в Боливии, Гондурасе, Афганистане.

В 1968 году на IX Всемирном фестивале молодёжи и студентов в Софии на конкурсе политической песни за песню «Огромное небо» певица получила три золотых медали; одна из песен композитора В. Успенского («Следующий!») получила первую премию на конкурсе, организованном фестивальным Комитетом борьбы с фашизмом.

На международной музыкальной ярмарке в Каннах Э. Пьеха завоевала для фирмы «Мелодия» за рекордные, миллионные тиражи грампластинок с записями певицы главную награду — «Нефритовый диск».

Э. С. Пьеха была членом жюри многих Всесоюзных и международных песенных конкурсов и фестивалей. Если Петр Первый прорубил окно в Европу, то Эдита Пьеха открыла дверь на европейскую эстраду. Она во всем была первой. Первой в СССР стала исполнять твисты и шейки; первой сняла микрофон со стойки, стала двигаться на сцене и разговаривать с публикой. Первой стала отмечать на сцене юбилеи творческой деятельности и свой день рождения. В 1997 г. своё 60-летие отметила концертом на Дворцовой площади Санкт-Петербурга — впервые в истории города. В 2007 г. своё 70-летие и 50 лет на эстраде отметила в Санкт-Петербурге грандиозными концертами в БКЗ «Октябрьский» и на Дворцовой площади. Свой юбилейный год Э. С. Пьеха продолжила сольным концертом в Государственном Кремлевском Дворце 16 февраля 2008 г.

Гастрольные марштуры артистки сезона 2008-2009 гг. - Россия от Калининграда до Хабаровска, страны Балтии, CША, Израиль, Белоруссия, Молдавия.

Многие десятилетия является одним из символов Ленинграда-Петербурга — наряду с Белыми ночами, Эрмитажем, «Медным всадником», крейсером «Аврора».
via Эдита Пьеха



Город детства


Нам рано жить воспоминаниями


Помолчим
terkat: (Ветер в голове)
ABBA (АББА) — шведский музыкальный квартет, существовавший в 1972—1982 годах и названный по первым буквам имён исполнителей. Является одним из наиболее успешных коллективов за всю историю популярной музыки и самым успешным из числа созданных в Скандинавии: записи группы по всему миру были проданы тиражом более 350 миллионов экземпляров. Синглы квартета занимали первые места в мировых чартах с середины 1970-х (Waterloo) до начала 1980-х (One of Us), а альбомы-сборники возглавляли мировые хит-парады и в 2000-х. Они остались в плей-листах радиостанций, и их альбомы продолжают продаваться по сей день.

ABBA (COLLECTION)



Они были первыми представителями континентальной Европы, кто завоевал первые места в чартах всех ведущих англоговорящих стран (США, Великобритания, Канада, Ирландия, Австралия и Новая Зеландия).
Группа ABBA была включена в Зал славы рок-н-ролла 15 марта 2010 года.
Группу АВВА основали Бенни Андерсон и Бьорн Ульвеус, музыканты, авторы и исполнители песен. Они познакомились в 1966 году, на одной из летних вечеринок и уже тогда решили, что стоит продолжать работу совместно. На тот момент Бенни был участником группы «Hep Stars» (Швеция) в качестве клавишника, а Бьорн состоял в «Hootenanny Singers» - он был гитаристом и певцом. Во время одного из концертов в Мальмё Бенни Андерсон познакомился с Анни-Фрид Лингстад, певицей, которая пела с 13-летнего возраста в составе разных групп. Она даже выступала на фестивалях песен в Венесуэле и Японии. Примерно в то же время Бьорн по телевизору увидел выступление другой певицы – Агнеты Фельтског, которая исполняла собственную песню. Он решил, что во что бы то ни стало познакомиться с ней.

Легендарный квартет впервые встретился в полном составе в Стокгольме, во время записи телепрограммы, а уже в 1970 году они начали вместе петь. Практически в одно время с их общим дебютом состоялся выход альбома «Lycka» Бенни и Бьорна. Это были песни, исполненные на шведском языке, а бэк-вокалистками при записи песен были Фрида и Агнета. Уже в 1971 году талантливых Бенни и Бьорна взяли на фирму Polar продюсерами. Это было связано со случайным стечением обстоятельств – умер предыдущий продюсер компании Б.Бернхаг, близкий друг Стига Андерсона, главы фирмы Polar. На вакантное место Стиг пригласил Бьорна Ульвеуса, однако, тот согласился при условии, что он будет работать со своим соавтором Бенни Андерссоном. Они даже зарплату делили одну на двоих поначалу.
Комиссия известного конкурса Евровидение отвергла кандидатуру группы с песней «Ring Ring», и в 1973 году, феврале месяце они записали эту песню на немецком, шведском, английском и испанском языках. Новый хит очень быстро обрел популярность и возглавил чарты в Бельгии, Голландии, Австрии, Швеции и даже ЮАР. А уже в марте того же года вышел первый альбом под аналогичным названием «Ring Ring». В 1974 году на Евровидении в Брайтоне (Англия) группа АВВА со своей песней «Waterloo»одержала абсолютную победу (с перевесом 20 к 1). Эта песня стала началом последовательности беспрецедентных супер хитов – 18 подряд хитов в лучшей десятке Британии. Восемь хитов квартета заняли первые места. В 1976 году это были композиции Mamma Mia, Dancing Queen, Fernando, в 1977 году - Knowing Me, Knowing You, а также The Name Of The Game, в 1978 году это был хит Take A Chance On Me, а в 1980 году – песни Super Trouper и The Winner Takes It All. В лидерах были и альбомы группы, начало положил сборник «Greatest Hits», который в 1975 году был выпущен в Швеции. Заокеанские достижения АВВА были несколько скромнее – в апреле месяце 1977 года хит Dancing Queen лишь на неделю возглавил местные чарты. Три альбома группы в США стали «золотыми», до «платинового» дотянул лишь «The Album», 1977 года выпуска.

Свою песню Dancing Queen впервые квартет исполнил для Шведского короля, накануне свадьбы в королевской семье в 1976 году. Свое первое турне по Британии они совершили в 1977 году, тогда на выступление популярной четверки в Альберт-холле, который вмещает 11 тысяч человек, поступило более 3 млн. заявок. Заканчивалось турне в Австралии, в марте месяце того же года. Здесь же снимали материал для фильма о группе под названием «АВВА». Именно в Австралии 15 декабря была премьера этого фильма. На своей родине фильм о себе АВВА представила в 1977 году, на рождественский вечер. В 1979 году, 9 января группа АВВА принимала участие в организованной ЮНИСЕФ благотворительной акции в городе Нью-Йорк, все доходы от своего сингла Chiquitita они передали организаторам. Первое выступление группы в Северной Америке прошло в Канаде, в городе Эдмонтон, это был 1979 год, 13 сентября. Это турне продолжилось до середины ноября и закончилось в Европе.

В 1981-1982 годах группа заметно уменьшила свою активность. В декабре месяце 1982 года группа выпустила последний сингл, записанный в полном составе. Это был «Under Attack», но последний сингл группы – это песня «Thank You For The Music».

Популярность группы возродилась в 1992 году, впрочем как и всей музыки в стиле диско. Все хиты популярного квартета были изданы на двух компакт-дисках компанией Polydor. Были изданы даже кавер-версии хитов группы, компания Erasure издала мини-альбом «АВВА- esque». Примерно в этот же период группа Bjorn again из Австралии стала популярной, используя стиль и имидж, а также манеру звучания и воспроизведения группы АВВА.

В СМИ просочилась информация, что в 2000 году группа АББА отказалась от предложения выступлений по всему миру «старым составом». За кругосветное турне им предлагали 1 млрд. долларов.

via Группа ABBA


А уже через месяц будем петь:
Happy New Year
terkat: (я - про меня)
Давненько классики не было у меня...

Гленн Гульд - ярчайшая фигура в пианистическом искусстве второй половины XX века, пианист, заставивший пересмотреть многие традиционные представления о фортепианном исполнительстве. Его интерпретация произведений Баха произвела подлинный переворот во взглядах на стиль исполнения музыки великого мастера. Не о всяком, даже очень крупном музыканте, можно сказать это. Гульд настолько оригинален, что все попытки подражать ему оказались безуспешны. И если верен афоризм Бюффона "стиль - это человек", то для того, чтобы глубже понять стиль Гульда, надо больше узнать о нем как о личности. Тогда полнее раскроется творческое кредо музыканта, станет яснее его выбор репертуара - порой довольно неожиданный, основу которого составляли Бах и композиторы Новой венской школы (Шенберг, Веберн, Берг), найдут оправдание многие "странности" его манеры игры. "Только огромнейший талант, большой мастер, высокий дух и глубокая душа могут так постигать и передавать "старину" и "сегодняшний день", как это делает Гленн Гульд", - писал Генрих Нейгауз после первого концерта в Москве совсем еще юного музыканта.


Glenn Gould plays Bach: Partita #2


Вечером 7 мая 1957 года на концерт в Большой зал Московской консерватории собралось совсем немного народа. Имя исполнителя не было известно никому из московских любителей музыки, и едва ли кто-либо из присутствующих возлагал на этот вечер слишком большие надежды.

Но то, что произошло затем, наверное, запомнилось каждому надолго.

Вот как описывал свои впечатления профессор Г. М. Коган: "С первых же тактов первой фуги из „Искусства фуги" Баха, которой канадский пианист Глен Гульд начал свой концерт, стало ясно, что мы имеем дело с выдающимся явлением в области художественного исполнения на фортепиано. Это впечатление не изменилось, а только укрепилось на всем протяжении концерта. Глен Гульд еще очень молод (ему двадцать четыре года). Несмотря на это, он уже сейчас зрелый художник и совершенный мастер с вполне определившейся, резко очерченной индивидуальностью. Эта индивидуальность сказывается решительно во всем - и в репертуаре, и в трактовке, и в технических приемах игры, и даже во внешней манере исполнения. Основа репертуара Гулда - крупные произведения Баха (например, Шестая партита, „Гольдберговские" вариации), Бетховена (например. Соната, соч. 109, Четвертый концерт), а также немецких экспрессионистов XX столетия (сонаты Хиндемита, Альбана Берга). Произведения таких композиторов, как Шопен, Лист, Рахманинов, не говоря уже о сочинениях чисто виртуозного или салонного характера, видимо, вовсе не привлекают канадского пианиста.

Тот же сплав тенденций классических и экспрессионистских характеризует и интерпретацию Гульда. Она замечательна огромным напряжением мысли и воли, поразительно рельефна по ритму, фразировке, динамическим соотношениям, по-своему очень выразительна; но выразительность эта, подчеркнуто экспрессивная, в то же время как-то аскетична. Удивительна сосредоточенность, с которой пианист „отрешается" от окружающего, погружается в музыку, энергия, с которой он выражает и „навязывает" аудитории свои исполнительские намерения. Намерения эти кое в чем, быть может, и спорны; однако нельзя не отдать должного импонирующей убежденности исполнителя, нельзя не восхититься уверенностью, ясностью, определенностью их воплощения, точным и безупречным пианистическим мастерством - такой ровной звуковой линией (в особенности в пиано и пианиссимо), такими отчетливыми пассажами, такой ажурной, насквозь „просматриваемой" полифонией. В пианизме Гульда своеобразно все - вплоть до приемов. Своеобразна его чрезвычайно низкая посадка. Своеобразна его манера дирижировать свободной рукой вовремя исполнения... Глен Гульд находится еще в самом начале своего артистического пути. Нет сомнения, что его ожидает блестящая будущность".

Мы привели эту небольшую рецензию почти полностью не только потому, что она была первым серьезным откликом на игру канадского пианиста, но главным образом потому, что портрет, очерченный с такой проницательностью маститым советским музыкантом, как это ни парадоксально, сохранил свою достоверность, в основном, и позднее, хотя время, конечно, внесло в него некоторые коррективы. Это, кстати, доказывает, каким зрелым сформировавшимся мастером предстал перед нами молодой Гульд.

Первые уроки музыки он получил в родном городе Торонто у матери, с 11 лет посещал там же Королевскую консерваторию, где изучал игру на фортепиано в классе Альберто Герреро и композицию у Лео Смита, занимался также у лучших органистов города. Гульд дебютировал как пианист и органист еще в 1947 году, а консерваторию окончил лишь в 1952. Ничто не предвещало стремительного взлета даже после того, как в 1955 году он с успехом выступал в Нью-Йорке, Вашингтоне и других городах США. Главным результатом этих выступлений стал контракт с фирмой звукозаписи Си-би-эс, сохранивший свою силу надолго. Вскоре была сделана и первая серьезная пластинка - "Гольдберговские" вариации Баха,- которая позже стала пользоваться огромной популярностью (до этого он, правда, уже записал в Канаде несколько произведений Гайдна, Моцарта и современных авторов). А начало мировой известности Гульда положил именно тот вечер в Москве.

Заняв видное положение в когорте ведущих пианистов, Гульд несколько лет вел активную концертную деятельность. Правда, он быстро прославился не только своими художественными достижениями, но и экстравагантностью поведения, строптивостью характера. То он требовал от организаторов концертов определенной температуры в зале, выходил на эстраду в перчатках, то отказывался играть, пока на рояле не будет стоять стакан воды, то затевал скандальные судебные процессы, отменял концерты, то выражал недовольство публикой, вступал в конфликты с дирижерами.

Мировую печать обошла, в частности, история о том, как Гульд, репетируя в Нью-Йорке ре-минорный Концерт Брамса, настолько разошелся с дирижером Л. Бернстайном в трактовке произведения, что исполнение чуть не сорвалось. В конце концов Бернстайн перед началом концерта обратился к публике, предупредив, что он не может "взять не себя ответственность за все, что сейчас произойдет", но все же будет дирижировать, так как исполнение Гульда "стоит того, чтобы его услышать"...

Да, с самого начала Гульд занял особое место среди современных артистов, и ему многое прощали именно за его необычность, за уникальность его искусства. К нему нельзя было подходить с традиционными мерками, и сам он осознавал это. Характерно, что, вернувшись из СССР, он поначалу хотел принять участие в Конкурсе имени Чайковского, но, подумав, отказался от этой мысли; едва ли такое самобытное искусство может уложиться в конкурсные рамки. Впрочем, не только самобытное, но и одностороннее. И чем дальше концертировал Гульд, тем яснее становилась не только его сила, но и его ограниченность - как репертуарная, так и стилистическая. Если его трактовка музыки Баха или современных авторов - при всей своей оригинальности - неизменно получала высочайшую оценку, то его "вылазки" в другие музыкальные сферы вызывали бесконечные споры, неудовлетворенность, а подчас даже сомнение в серьезности намерений пианиста.

Как ни эксцентрично вел себя Гленн Гульд, тем не менее его решение окончательно оставить концертную деятельность было встречено, как удар грома. С 1964 года Гульд не выходил на концертную эстраду, а в 1967 году в последний раз появился перед публикой в Чикаго. Затем он публично заявил, что не намерен больше выступать и хочет полностью посвятить себя грамзаписи. Поговаривали, что поводом, последней каплей, послужил весьма недружелюбный прием, устроенный ему итальянской публикой после исполнения пьес Шёнберга. Но сам артист мотивировал свое решение теоретическими соображениями. Он заявил, что в век техники концертная жизнь вообще осуждена на вымирание, что только грамзапись дает артисту возможность создать идеальное исполнение, а публике - условия для идеального восприятия музыки, без помех со стороны соседей по концертному залу, без случайностей. "Концертные залы исчезнут,- предрекал Гульд.- Их заменят пластинки".

Решение Гульда и его мотивировки вызвали бурную реакцию среди специалистов и публики. Некоторые иронизировали, другие всерьез возражали, третьи - немногие - осторожно соглашались. Однако факт остается фактом - около полутора десятилетий Гленн Гульд общался с публикой только заочно, только при помощи пластинок.

В начале этого периода он работал плодотворно и интенсивно; его имя перестало мелькать в рубрике скандальной хроники, но оно по-прежнему привлекало внимание музыкантов, критиков, любителей музыки. Новые пластинки Гульда появлялись почти ежегодно, но общее число их невелико. Значительную часть его записей составляют произведения Баха: шесть Партит, концерты ре мажор, фа минор, соль минор, "Гольдберговские" вариации и "Хорошо темперированный клавир", двух- и трехголосные инвенции, Французская сюита, Итальянский концерт, "Искусство фуги"... Здесь Гульд снова и снова выступает своеобразнейшим музыкантом, как никто другой слышащим и воссоздающим сложную полифоническую ткань баховской музыки с огромной интенсивностью, выразительностью, высокой одухотворенностью. Каждой своей записью он снова и снова доказывает возможность современного прочтения баховской музыки - без оглядок на исторические прототипы, без возвращения к стилистике и инструментарию далекого прошлого, то есть доказывает глубокую жизненность и современность музыки Баха в наши дни.

Другой важный раздел репертуара Гульда - творчество Бетховена. Еще раньше (с 1957 по 1965 год) он записал все концерты, а затем пополнил список своих записей многими сонатами и тремя большими вариационными циклами. Тут он тоже привлекает свежестью замыслов, но далеко не всегда - их органичностью и убедительностью; подчас его трактовки полностью расходятся, как отметил советский музыковед и пианист Д. Благой, "не только с традициями, но и с основами бетховенского мышления". Невольно иногда возникает подозрение, что отклонения от принятых темпов, ритмического рисунка, динамических пропорций вызваны не продуманной концепцией, а желанием сделать все не так, как другие. "Последние записи Гульдом бетховенских сонат из опуса 31,- писал в середине 70-х годов один из зарубежных критиков,- едва ли удовлетворят как его поклонников, так и его противников. Те, кто любит его за то, что он идет в студию только тогда, когда готов сказать нечто новое, еще не сказанное другими, сочтут, что в этих трех сонатах не хватает как раз творческого вызова; другим же все то, что он делает иначе, чем его коллеги, не покажется особенно оригинальным".

Это мнение возвращает нас к словам самого Гульда, определившего однажды свою цель так: "Прежде всего я стремлюсь избежать золотой середины, увековеченной на пластинке многими превосходными пианистами. Я считаю, что при записи очень важно подчеркнуть те аспекты, которые освещают данное произведение с совершенно необычной точки зрения. Исполнение нужно максимально приблизить к творческому акту - вот ключ, вот решение проблемы". Иногда этот принцип приводил к выдающимся достижениям, но в тех случаях, когда творческий потенциал его личности вступал в противоречие с характером музыки,- к неудачам. Покупатели пластинок уже привыкли к тому, что каждая новая запись Гульда несла в себе неожиданность, давала возможность услышать знакомое произведение в новом свете. Но, как справедливо заметил один из критиков, в перманентно ошарашивающих интерпретациях, в вечном стремлении к оригинальности тоже таится угроза рутины - к ним привыкают и сам исполнитель и слушатель, и тогда они становятся "штампами оригинальности".

Репертуар Гульда всегда был четко профилирован, но не так уж узок. Он почти не играл Шуберта, Шопена, Шумана, Листа, исполнял немало музыки XX века - сонаты Скрябина (№ 3), Прокофьева (№ 7), А. Берга, Э. Кшенека, П. Хиндемита, все сочинения А. Шёнберга, в которых участвует фортепиано; он возрождал к жизни сочинения старинных авторов - Бэрда и Гиббонса, удивлял поклонников фортепианной музыки неожиданным обращением к листовской транскрипции Пятой симфонии Бетховена (воссоздавал за роялем полнокровное звучание оркестра) и фрагментов из вагнеровских опер; он неожиданно записывал забытые образцы романтической музыки - Сонату (соч. 7) Грига, Ноктюрн и Хроматические вариации Визе, а порой даже и сонатины Сибелиуса. Гульд также сочинял собственные каденции к бетховенским концертам и исполнял фортепианную партию в монодраме Р. Штрауса "Энох Арден", наконец, он записывал на органе "Искусство фуги" Баха и, впервые сев за клавесин, дарил своим почитателям превосходную интерпретацию Сюиты Генделя. Ко всему этому Гульд активно выступал как публицист, автор телевизионных передач, статей и аннотаций к собственным записям как письменных, так и устных; подчас его высказывания содержали и выпады, возмущающие серьезных музыкантов, подчас, напротив,- глубокие, хотя и парадоксальные мысли. Но случалось и так, что свои литературно-полемические утверждения он же опровергал собственной интерпретацией.

Вот эта разносторонняя и целеустремленная активность давала основание надеяться, что артист еще не сказал последнего слова; что и в будущем его искания приведут к значительным художественным результатам. В некоторых его записях, пусть очень неопределенно, но все же ощущалась тенденция отхода от тех крайностей, которые характеризовали его до сих пор. Элементы новой простоты, отказа от манерности и экстравагантности, возвращения к первозданной красоте фортепианного звука наиболее отчетливо видны в его записях нескольких сонат Моцарта и 10 интермеццо Брамса; игра артиста отнюдь не потеряла от этого вдохновенной свежести и своеобразия.

В какой степени эта тенденция получила бы развитие, говорить, разумеется, трудно. Один из зарубежных обозревателей, "прогнозируя" пути будущего развития Глена Гульда, предположил, что либо он станет со временем "нормальным музыкантом", либо будет играть в дуэтах с другим "возмутителем спокойствия" - Фридрихом Гульдой. Ни та, ни другая возможность не казались невероятными.

В последние годы Гульд - этот "музыкальный Фишер", как называли его журналисты,- оставался в стороне от художественной жизни. Он поселился в Торонто, в гостиничном номере, где оборудовал небольшую студию звукозаписи. Отсюда расходились по миру его пластинки. Сам же он подолгу не покидал своих апартаментов и лишь по ночам совершал прогулки на автомобиле. Здесь, в этом отеле, и настигла артиста неожиданная смерть. Но, конечно, наследие Гульда продолжает жить, его игра и сегодня поражает своей неповторимостью, несхожестью с любыми известными образцами. Огромный интерес вызывают и его литературные работы, собранные и прокомментированные Т. Пейджем и вышедшие уже на многих языках.

Григорьев Л., Платек Я.
via Гленн Гульд (Glenn Gould)




Слушаем...

Glenn Gould-J.S. Bach-The Art of Fugue


Glenn Gould-J.S. Bach-Brandenburg Concerto No.5-part 1 of 2


Glenn Gould-Beethoven-Liszt-Symphony No.6 (excerpts)


Glenn Gould-Mozart-Sonata No.13 B flat major-KV333-part 1 of 3
terkat: (Розы)
Милая Олечка [livejournal.com profile] agneshca56!
В День твоего Рождения
Раскрылись все цветы.
Чтоб горя ты не знала,
Чтоб улыбалась ты!



Музыка для тебя, Оля!

Классика музыки и цветов


Песня о счастье (к/ф "Не покидай")

P.S. Смотреть видео, к сожалению, разрешено только на ютубе: http://youtu.be/vgQnL9o-v6Q
terkat: (Дождь)
Любителям гитарной музыки. Крис Сфирис.


Представьте себе трехлучевую звезду; и пусть один луч символизирует собой музыку стиля new-age, другой - world-music, а третий - что-то подобное очень мягкому и нежному джазу. Именно в этом случае в центре звезды вполне можно поместить имя Криса Сфириса. Так можно условно определить стилистику его работ, а следовательно и потенциальный круг слушателей этой музыки.
В качестве звукового фона композиции Сфириса удовлетворят слушателей с различными музыкальными пристрастиями - стильно, красиво и ненавязчиво. Сам Крис предпочитает зачастую очень простые мелодии, но зато густо разукрашивает их самыми разнообразными тембровыми красками и фольклорными мотивами, почетное место среди которых занимают, разумеется, греческие мелодии. Несмотря на то, что Крис - грек по происхождению, кроме родных мелодий в своей музыке он обильно использует индийские, испанские, арабские и иные мотивы. Мультиинструменталист играет как на традиционных, так и на всевозможных этнических инструментах. Вслед за многими великими музыкантами он утверждает, что композитор не является автором музыки в полном смысле этого слова. Он - лишь медиум, который посредством нот передает слушателю ту божественную музыку, которая звучит в его голове. На протяжении всей своей карьеры Крис Сфирис и пытался транслировать эту идею для тех, кто покупает его пластинки.

CHRIS SPHEERIS SELECTION



Ньюэйджевый композитор – мультиинструменталист Крис Сфирис (Chris Spheeris) начал писать песни для гитары еще подростком. Вдохновленный духовной и народной музыкой родной Греции и других стран, классикой и поп-музыкой, Сфирис сплавил все эти составляющие в свой собственный, уникальный музыкальный стиль. Элементы народной музыки были особенно заметны в его произведениях в самом начале его карьеры, когда он работал в паре с гитаристом и композитором Полом Вудурисом (Paul Voudouris), в 70-х и начале 80-х.
После того, как группа распалась, Сфирис начал создавать более сложные, композиции для клавишных, которые записывал на демонстрационные пленки. Одна из этих пленок попала в поле зрения компании Columbia Records, с которой в 1985 году он и подписал контракт. Под этим лейблом вышли дебютные альбомы Сфириса – «Desires Of The Heart» и «Pathways To Surrender», после чего Сфирис покинул их, чтобы основать свой собственный лейбл, Essence, под которым вышла большая часть его сольных альбомов и несколько, записанных после воссоединения с Полом Вудурисом – «Enchantment» и «Nothing But The Truth». Наряду с выпуском музыкальных альбомов, Сфирис активно участвовал в оформлении документальных фильмов для телевидения.
Разносторонне одаренный человек, он еще с самого раннего детства занимался живописью, поэзией и музыкой. Позже к числу увлечений добавились документальное кино и философия, которую Крис Сфирис изучал в Англии. Сегодня на его счету уже тринадцать сольных номерных пластинок и более шестидесяти документальных фильмов. Кстати говоря, в сфере бизнеса Сфирис также чувствует себя весьма уверенно – свою музыку он издает на собственной фирме, существующей уже пять лет, и это нисколько не мешает ему заниматься творчеством. По мнению самого Криса, его музыка – это физическое, звуковое воплощение эмоциональных и духовных контактов с высшими сферами. Даже свой дом в аризонской пустыне он обставил с учетом возможностей этих астральных контактов. Впрочем, я оставляю мистический туман тем, кому он сладок и приятен.
Крис Сфирис вырос в 60-е годы, когда любая музыка, будь то поп-музыка, джаз или рок, пыталась что-нибудь изменить – или социальную жизнь, или политический склад общества, или даже межличностные отношения. Сфирис же неоднократно признавался, что своей музыкой никогда и ничего менять не собирался. Вслед за многими великими музыкантами он утверждает, что композитор не является автором музыки в полном смысле этого слова. Он – лишь медиум, который посредством нот передает слушателю ту божественную музыку, которая звучит в его голове. На протяжении всей своей карьеры Крис Сфирис и пытался транслировать эту идею для тех, кто покупает его пластинки. Первые музыкальные опыты Сфириса имели место, когда ему не исполнилось даже семи лет. Поскольку его старшая сестра была пианисткой, они часто играли в четыре руки греческие народные мелодии, а под этот аккомпанемент мать Криса и его бабушка исполняли красивые песни, которые были одновременно еще и греческими церковными песнопениями. Еще, будучи ребенком, Крис Сфирис учился музыке у своих родственников, которые в свое время получили весьма достойное музыкальное образование. Но в то же время он любил слушать и современную музыку – Elton John, The Beatles, Johnny Mitchell и так далее. Однако самым любимым и уважаемым музыкантом для него был двоюродный брат – Jimmie Spheeris. Спустя много лет, став не только известным композитором и гитаристом, но также и успешным продюсером, Крис Сфирис признавался, что до сих пор не знает лучшего музыканта, чем его брат. Признаюсь сразу, я совершенно не компетентен в вопросах таланта Джимми Сфириса, но вот что касается Криса, здесь у меня никаких сомнений не остается.
Когда Крису Сфирису было 20 лет он познакомился человеком по имени Поль Вудурис, который и познакомил его с синтезаторами. До этого знакомства Крис играл только на гитаре и, ни о каких электронных приспособлениях даже и не слыхивал, поскольку все его родственники были воспитаны в традициях классической музыкальной школы. Поль познакомил Сфириса с ранними альбомами Genesis, Yes и Brian Eno. Тогда-то Крис Сфирис и понял, что с помощью электронных инструментов можно создавать музыку, которая выражает чувства и эмоции намного ярче и яснее, нежели чем просто игра на гитаре. И хотя Крис Сфирис никогда умалял достоинств этого инструмента, начиная именно с этого периода он стал активно использовать различные синтезаторные звуки. Когда Крис путешествовал с родителями по свету (а происходило это довольно часто), он постоянно обращал внимание на те звуки, которые характерны для той или иной культуры. Таким образом он создавал своеобразный «музыкальный словарь» экзотических созвучий, которые рано или поздно использовал и в своих произведениях. Апофеозом подобного опыта стала пластинка Mystic Traveller, записанная в 1996 году в соавторстве с Robert Cory – уникальная работа, кардинально отличающаяся от всего того, что сделал Сфирис как до, так и после этого альбома. Здесь нет гитары как доминирующего инструмента, а основу всех треков составляют этнические вкрапления.
За последние 15 лет своего творчества Крис Сфирис выпустил 17 альбомов, включая сборники. В 1991 году его пластинка Enchantment получила платиновый статус. Спустя 4 года, в 95-ом, альбом Сфириса Mystic Traveller был удостоен золотой награды. Кроме того, греческая певица Konstantina записала альбом песен на музыку Криса Сфириса, после чего была признана лучшей певицей Греции 95-го года. В 1997 году Сфирис вместе с Робертом Кори записал 13-частную сюиту Mystic Lands, которая была положена на видеоряд в качестве саундтрека к ленте Chip Dunkan. В 2001 году за пластинку Brio Крис Сфирис удостоился еще одной платиновой награды. И можно было бы еще долго перечислять достижения греческого композитора, чье имя, к сожалению или к счастью, остается в тени современного шоу-бизнеса, но не лучше ли просто пойти в ближайший музыкальный магазин и приобрести хотя бы один из его дисков.
В начале 2000 года, Сфирис начал сотрудничать с компанией Higher Octave Records, и выпустил первый альбом под этим лейблом – Dancing With The Muse. Этот альбом уже просто своим оформлением он намекает на визит в мир Востока. И слушатель не будет разочарован. Magaya – красивое вступление в альбом. Пробуждение слушателя из тишины звуками oud-a (если конечно мои уши на старости лет не подводят меня), флейта и гитарное соло, пробуждающаяся перкуссия создают одну уверенную тему, но скрипичные привносят в нее дуновение тревожности и грусти. Следующие 3 песни поддерживают и укрепляют настроение, созданное первой, каждая по своему. Кстати, ключевую тему заглавной песни альбома Вы вполне возможно слышали и не раз. Музыку Сфириса из-за ее светлого настроя очень любят брать для всевозможных заставок (скажем, прогноз погоды засветился в этом). Затем следует композиция The new West более насыщенная гитарным соло. Слушателя как бы немного возвращают из путешествия на восток, дают немножко передохнуть, готовят к следующей песне. Shahzada. Да, это не только инструментал, ему предшествует интересный текст. Затем музыка срывается в безудержный водоворот. Следующая композиция тоже направлена на отдых слушателя, расслабление, обдумывание предыдущего. А затем завершение альбома – композиция на 13 с половиной минут. Насыщенная в начале и становящаяся безмятежным закатом в конце.
terkat: (Девушка-ветки)
Ретро советской эстрады.
Сегодня по пожеланию Наташи [livejournal.com profile] jogikbumi

Майя Кристалинская - одна из самых известных эстрадных певиц 60-70-х годов. Ее глубокий лиричный голос звучал с телеэкранов, с грампластинок, за кадром кинофильмов. На концерты Кристалинской собирались полные залы в разных городах Советского Союза и за рубежом. Она очаровывала людей своим проникновенным исполнением, потому что пела прежде всего о себе, о пережитом ею самой.
Кристалинская обращалась cо сцены ко всему залу, и в то же время к каждому слушателю отдельно, так, что возникало ощущение задушевного разговора один на один. Это и был "театр Майи Кристалинской" - та особая атмосфера, которая возникала на ее концертах и отличала Кристалинскую от других исполнителей.
На ее надгробии высечена эпитафия: "Ты не ушла, ты просто вышла, вернешься и опять споешь". Это действительно так - ее песни волнуют сердца не только современников певицы, но и тех, кто родился несколько поколений спустя. Майя Кристалинская поет и улыбается нам сегодня точно так же, как и много лет назад.

Нежность




Майя Кристалинская родилась 23 февраля 1932 года в Москве. Во время учёбы в школе занималась в детском хоровом коллективе Народного ансамбля песни и танца Центрального дома детей железнодорожников, которым руководил Семён Осипович Дунаевский, брат Исаака Дунаевского. После окончания школы в 1950 году поступила в Московский авиационный институт. В институте она занималась художественной самодеятельностью. После окончания института уехала по распределению в Новосибирск на завод имени Чкалова. Но, по воспоминаниям подруги и одногруппницы Валентины Котёлкиной, они вскоре вернулись в Москву, и Майя стала работать в КБ А. Яковлева.

В 1957 году Майя Кристалинская стала лауреатом Московского международного фестиваля молодёжи и студентов, на котором выступала с самодеятельным ансамблем «Первые шаги» под руководством Юрия Саульского. В том же году она вышла замуж за писателя Аркадия Арканова. Брак был недолгим и вскоре распался.

После 1960 года она записала песню Маши для кинофильма «Жажда» и с выходом фильма стала популярна в СССР. Первоначально эту песню исполнила Ирина Сергеевна Денисова, артистка молодёжного ансамбля «Полный вперёд!» Ленинградской Филармонии, позднее журналистка (творческий псевдоним Рыжова), но это даже не было отражено в титрах. Когда фильм и песня стали популярны, песню стали исполнять певицы, к фильму сделали новую звуковую дорожку и вставили в титры фамилию исполнительницы (в разных вариантах: Кристалинская, Дворянинова). Она много гастролировала по стране, работала с джаз-оркестрами Эдди Рознера и Олега Лундстрема, тиражи пластинок с исполняемыми ею песнями быстро раскупались. Работала с ансамблем Евгения Рохлина, песня на музыку Евгения Рохлина «Мы с тобой случайно в жизни встретились» стала настоящим шлягером, эту песню исполняла только она. Название песни стало названием диска Майи Кристалинской, который вышел в 1985 году.

В возрасте 29 лет врачи обнаружили у неё тяжёлую болезнь — опухоль лимфатических желез (лимфогранулематоз). Она прошла тяжёлый курс лечения, но с тех пор ей приходилось выходить на сцену с косынкой на шее, чтобы скрывать следы болезни от зрителей.

Майя Кристалинская стала первой исполнительницей легендарной песни «Нежность» композитора Александры Пахмутовой, записав её в 1966 году. Чермен Касаев (музыкальный редактор ВР и ЦТ), присутствовавший тогда в студии звукозаписи, в документальном фильме «Опустела без тебя земля…» (2005), посвящённом певице, вспоминал, что у Майи Владимировны, при прослушивании уже записанной фонограммы, капали слёзы из глаз: «Вот такие росинки…. утренняя летняя роса…», — так трогала её песня…
«Нежность» на долгие годы стала визитной карточкой певицы.

В 1970 году новым председателем Гостелерадио стал С. Лапин. Получив безграничную власть, Лапин начал на ТВ политику антисемитизма. Таким образом, попав в чёрный список и практически оставшись без работы, из страны были вынуждены уехать многие известные певцы: Эмиль Горовец, Аида Ведищева, Нина Бродская, Лариса Мондрус. Путь на телеэкран и в радиоэфир был закрыт и для Майи Кристалинской.

Кристалинская стала персоной нон грата на Центральном телевидении. Последние десять лет жизни звезда советской эстрады выступала в сельских клубах, в райцентрах Тульской, Рязанской, Орловской областей. Добиться разрешения на концерты в областных центрах, не говоря о Москве, оказалось очень сложно.

Майя Кристалинская была человеком большой эрудиции, безгранично любила театр, разбиралась в живописи, её интересовали проблемы психологии, она знала литературу так, как её знают только специалисты.

В 1974 году ей было присвоено звание «Заслуженная артистка РСФСР».

Любила она и кино. Её любимой актрисой была Марлен Дитрих. В последние годы жизни она взялась за перевод книги Дитрих «Размышления» с немецкого языка на русский. Книга вышла в СССР уже после смерти Майи Кристалинской.

В 1984 году её болезнь обострилась, и прожить ей удалось ещё только год. 19 июня 1985 года в возрасте 53 лет Майя Кристалинская скончалась, ровно на год пережив своего спутника жизни, архитектора Эдуарда Барклая, который умер от сахарного диабета 19 июня 1984 года.

Известный поэт Роберт Рождественский называл Майю Кристалинскую «Эхом нашей юности».




Старый клён


Полынь


Наши мамы


А за окном - то дождь, то снег...


Листья прошлогодние


А снег идёт...
terkat: (Птицы. Танцы)
Середина 70-х годов...
Хоп-хей-хоп!...
Ах, как отплясывали мы под эту песню на площади Ленина (сейчас она носит гордое название Мустакиллик).
Интересно, сейчас такое на площади возможно?

Paul McCartney & Wings - Mrs. Vandebilt /из альбома Band On The Run (1973)/


Немного об альбоме 'Band on the Run' )
terkat: (Птицы. Танцы)

Музыканты любят шутить, как и все люди.

2 парня и 1 флейта | J.S. Bach Badineri


Наслаждайтесь и улыбайтесь! )

Было бы ошибкой думать, что в симфонических оркестрах играют идеальные люди. С идеальным слухом, непревзойденной техникой и бесконечным дирижерским терпением.
Дирижеры симфонических оркестров, ругаясь на неповоротливых оркестрантов, отжигают никак не хуже армейских чинов. Даже лучше. Поскольку делают это тонко, изящно и очень интеллигентно.
Фразы дирижеров симфонических оркестров )
terkat: (Девушка-ветки)
Неразрывность музыки и балета...
Поговорим о Майе Плисецкой...

День рождения у неё сегодня.

"Болеро" Мориса Равеля


Майя Михайловна Плисецкая )

December 2013

S M T W T F S
1 2 3 4 5 6 7
8 9 10 11 12 13 14
15 16 17 18 19 20 21
2223 24 25 26 27 28
29 30 31    

Syndicate

RSS Atom

Style Credit

Expand Cut Tags

No cut tags
Page generated Jun. 28th, 2017 10:28 am
Powered by Dreamwidth Studios